Blog Dylan

Happy 70th Birthday, Bob!

2011-05-25T15:20:00.007-03:00

“Esta é a história de um poeta e músico nascido e renascido vezes a fio, que morreu diversas mortes e ainda assim continuou a viver. É a história de um herói popular que negou o próprio heroísmo, de um rebelde que desafiou a sua cultura com tal eloqüência que ajudou a criar uma contracultura, e que então se voltou contra os excessos do que ajudou a criar.” Assim o lendário crítico Robert Shelton define Bob Dylan, no ‘Prelúdio’ de sua Biografia sobre aquele que seria conhecido como ‘a voz de sua geração’, intitulada ‘No Direction Home’, da qual já falamos neste Blog, num belíssimo artigo da jornalista Raquel Cozer. Mais à frente, em seu livro, Shelton, que tanto impulsionou a carreira do biografado, com aquele célebre texto publicado no ‘The New York Times’, em 29 de setembro de 1961, afirma que Dylan “tirou a poesia de prateleiras empoeiradas e a colocou na jukebox” e, em seguida, vai ainda mais além, quando diz que “as definições de literatura precisaram ser expandidas em novas formas, para incluir a arte de Dylan.”

Pois bem, este velho bardo, tantas vezes morto e outras tantas renascido, chegou aos 70 anos, em plena produção artística, jovem como sempre...

Ao contrário de outros, que ficaram pelo caminho e ainda outros mais, cujos talentos minguaram ou desapareceram por completo, Dylan continua na crista da onda. Escreveu o primeiro volume de suas crônicas; sua obra continua servindo de tema de estudos das mais reconhecidas universidades; recebeu o Prêmio Pulitzer, por sua contribuição à música popular; ganhou um Oscar e tem nos presenteado com seus últimos álbuns de estúdio, de ‘Time Out of Mind’, de 1997, até ‘Together Through Life’, de 2009, todos de altíssima qualidade. Isso sem falar na ‘Turnê Sem Fim’, que ainda percorre as estradas do mundo todo e, recentemente, em meio a muita polêmica, chegou à China! Things have changed and Dylan with them.

Dylan ainda está vivo! Ainda compõe músicas de rara beleza, de puro lirismo, como ‘Mississippi’, registrada em seu álbum ‘Love and Theft’ de 2001. Dylan continua a ser um artista que se reinventa e que tudo o que pretende é tradurzir-se em suas próprias canções...

Rendo, portanto, minha homenagem a este bardo; poeta; profeta; rebelde; pintor; alguém que tanto me ensinou sobre amor e perda, esperança e desolação, fé e descrença; parceiro de madrugadas e bebedeiras; distante e tão perto, tão presente, que mais parece um velho amigo, daqueles que nunca nos abandonam.

“May your heart always be joyful; May your song always be sung; May you stay forever young.”

Happy 70th Birthday, buddy!

24 de maio de 2011.
Sérgio

O Mentiroso

2011-05-24T22:13:00.003-03:00

Por Marcelo Xavier

Eis o homem! Tem aquela famosa cena no meio do show do Royal Albert Hall em 1966 (que na verdade não é no Albert Hall) onde um sujeito na platéia - escandalizado pela barulheira neurótica que Bob Dylan (que faz hoje 70 anos (de idade) transformara a sua apresentação, colocando uma banda de rock no último volume tocando blues pesado depois de um set acústico - sobe na cadeira e chama o menestrel das esquerdas de "Judas". Ao passo que o compositor, enquanto procura o gozador na platéia, responde: "eu não acredito em você. Você é um mentiroso".

Pois a verdade é essa: você é que é o mentiroso, caro sr. Bob Dylan. Mentiroso e oportunista. Você fez todo mundo de bobos. Seu método foi simples. Você viu que a onda do rock tinha passado junto com a cultura dos anos 50 como um juiz nos seus últimos anos de magistratura. Não foi isso o que você falou no Crônicas, seu picareta??

Você é apenas um rábula que vivia rondando universidades até que descobriu que uma garotada que vivia em Nova Iorque havia redescoberto aquele pessoal de esquerda dos Weavers, que todo mundo agora estava curtindo Paul Anka e você não tinha voz nem físico nem carisma para ser um Pat Boone, leu sobre os vagabundos da América beat e virou uma versão moderna deles.

Então você deve ter pensado MAQUIAVELICAMENTE da seguinte maneira: todo mundo acha que esses rapsodos estilo Woody Guthrie são uns sujeitos que fazem puro proselitismo em letras de um engajamento político de algibeira. Já que todos pensam que esses folk singers não passam de um bando de simplórios que acham que vão matar fascistas com um violão rachado E PREGAR UMA PEÇA NOS FARISEUS.

A fórmula era simples: aproveitar a onda da boemia bem vestida do Village que, depois do ressurgimento da onda folk em Newport (ali por 1960) e do recrudescimento de movimentos pelos Direitos Civis, e entrar nessa nova onda.

"Vou virar um folk singer de 18 anos fazendo cara de cachorrinho abandonado, usando botas de guarda-freios embarradas, um boné, uma gaita, vou ouvir todos os discos possíveis de blues, de folk, vou copiar o Dave Van Ronk, Charlie Patton e todo aquele pessoal do Anthology of American Folk Music, vou aprender dedilhados e acordes de blues, vou aprender harmonica, vou ver Genet, Balzac, Gogol, Victor Hugo, o Metamorfoses do Ovídio, a autobiografia Davy Crockett, roubar discos dos meus amigos, procurar Clausewitz, Faulkner, Poe, Longfellow e entrar em todas essas transas literárias e não ter nenhuma pose de intelectual. Vou ser um intelectual sem biblioteca. Vão me perguntar de onde eu aprendi a toca violão e vou dizer que foi através de um sujeito de pés de casco de bode na auto-estrada 61".

Bob Dylan, esse mentiroso. O plano dele é simples, e todos caíram. ele sabia que a cultura imediata do seu tempo estava com os dias contados, o grande golpe era aproveitar que o folk estava na mesma transa dos movimentos de esquerda. E pensou: "Vou ser o queridinho deles". Assim, Bob Dylan, na meca das editoras musicais, começou a fazer barulho e marquetear a sua imagem de Werther com um violão no colo e carinha de menor abandonado. Pegou todo repertório possível de blues e folk e estudou todas as possibilidades de arquivar aquilo, graças à sua memória de elefante.

E foi simples: Dylan pegava cançonetas tradicionais obscuríssimas, como No Auction Block, fazia uma paráfrase marota, escrevia algo ordinário e que todos queriam ouvir, como "quantos caminhos um homem precisa trilhar para tornar-se um homem?".

Foi assim que o sr. Zimermann inventou essa mentira, chamada Bob Dylan. Ele plagiava dezenas de temas folk, escrevia letras de protesto inteligentíssimas e que convergiam para todo o movimento de massas que crescia nos Estados Unidos do começo dos anos 60. Só precisava chamar a atenção de algum produtor de discos, arranjar um empresário (de preferência, inescrupuloso) e dar visibilidade àquele fait-divers peripatético do menino menor abandonado e frágil que, de repente abre a voz fanhosa e canta versos intermináveis denunciando injustiças sociais, políticas beligerantes pró-intervenção ianque no Extremo Oriente, assassinatos covardes de líderes sociais e empregadas domésticas, crônicas de desvalidos e sem culotes da vida afora.

Agora basta enlatar e vender para as massas. Dylan ainda caiu nas graças de um certo Albert Grosmann, que juntou a sua inescrupulosidade (?) com e dele (Grosmann tinha uma transa com o pessoal de Newport e com as editoras do Tim Pan Alley e, do Café Wha! para as prateleiras de discos e programas de tevê era um pequeno passo) e, desse conúbio, Dylan inventou a sua reputação. De uma hora para outra, a juventude americana não queria mais Frankie Avalon, Pat Boone, Neil Sedaka e essa estirpe de cantores fabricados para bobbysockers.

Bob Dylan acabou com eles. e paulatinamente ia acabar com o mercado dos cantores-intérpretes: a partir dali, o mercado queria consumir apenas cantores-compositores. Enfim: o crápula Dylan pôr o mercado fonográfico americano em xeque (a soldo de Havana ou Moscou, diziam) e a moda agora era ser fanhoso e talentoso, ou seja, um ultraje à moral e aos bons costumes.

Como se não bastasse, Bob Dylan não parou de mentir. Do nada, viu que a moda agora eram conjuntos musicais eletrificados fazendo música ligeira, como os Beatles. Mesmo que ele não gostasse, ele fez como fez com Patton, Guthrie, Henry Thomas e todos aqueles folk-singers castiços do tempo do gramofone. Resolveu forjar, da maneira mais abjeta e oportunista, a sua própria versão de uma banda de rock.

Foi quando ele cometeu o acinte de abandonar as jornadas de esquerda e escrever letras surrealistas e sem sentido nenhum, com versos ridículos como "o sol não é amarelo, é galinha", para provocar tanto quem caiu no seu conto do vigário quanto quem não gostava dele.

Sabem aquela querela em Newport, em 1965, quando ele trocou o violão pela guitarra? Ele morre dizendo que não, mas aquilo foi uma manobra WTF prá mandar todos aqueles ingênuos úteis às favas. Mandou o velho Pete Seeger pegar o seu avoengo e ingênuo We Shall Overcome e ver se ele está na esquina da 4th Street com um macaquinho e seu realejo e todos aqueles sombrios perdedores mortos-vivos da fila da Desolação. ele sabe que ninguém vai matar fascistas cantando isso. A verdade é essa: o Mr Jones eram eles, e eram vocês, que achavam que estavam tão certos do que sabiam e de toda a mensagem e estavam todos por fora.

Vocês não sabem nada, ficam citando livros e não aprenderam nada, todos são Judas. Dylan não é um Judas, Dylan é um personagem convencendo a VOCÊS a veracidade das mentiras dele, como diria o Paul Klee: os traidores são vocês, que não têm o que fazer. Vocês estão errados, vocês acreditaram num embuste, numa falcatrua. Não adianta reclamar com ele, reclamem com o SAC. Ele é um produto de consumo como tudo nesse mundo debaixo do sol.

Pior: depois de forjar aquele acidente de moto, ele voltou, anos depois, e gravou um disco imitando todos aqueles rednecks quadradões de Nashville enquanto gente como o Johnny Cash, o Waylon Jennings e o Willie Nelson quebravam lanças numa guerra cruenta contra o Nashville Sound, e Dylan resolveu adotar a pose de conservador e pai de família, com musiquinhas do tipo: "deita na minha cama, sua linda". Olha o naipe da parada. Menestrel das Esquerdas pai de família, pintando quadros e querendo dar tiros nos fãs chatos em Woodstock. Menestrel das Esquerdas. E a conta bancária? Vai bem?

Dylan: I don't believe you. You're a liar. Parabéns, seu mentiroso!

Texto originalmente publicado no Blog 'Pato Macho'.

Perto do mito

2011-05-18T15:20:00.007-03:00

Sai no Brasil edição revisada de No Direction Home, biografia de Robert Shelton, jornalista que “descobriu” Bob Dylan em 1961 e teve acesso privilegiado à vida do músico:

O rapaz de 20 anos refletiu por dois instantes: “Bob Dylan, Bobby Dylan, Bob Dylan, Bobby Dylan… Escreva Bob Dylan! É como quero ficar conhecido.”

Transcorria a última semana de setembro de 1961, e o músico, após um show no clube Gerde’s Folk City, em Greenwich Village, falava pela primeira vez à imprensa. O entrevistador era um amigo recente, habitué da cena folk nova-iorquina, Robert Shelton (1926-1995) – que, dias depois, publicaria no New York Times: “Suas roupas podem estar precisando de ajustes, mas, quando ele toca violão, gaita ou piano, não restam dúvidas de que está arrebentando de tanto talento”.

À resenha se seguiu um contrato do então anônimo músico com a poderosa Columbia, mas os bastidores daquela noite e de inúmeras outras nos anos 60 – que outros biógrafos puderam só apurar, em vez de vivenciar – foram conhecidos apenas em 1986, quando Shelton enfim conseguiu publicar No Direction Home, projeto acalentado por duas décadas.

E só agora, 50 anos após aquele primeiro texto, passados 26 anos da morte do autor e no mês em que o compositor de Blowin’ in the Wind e Like a Rolling Stone completa 70 anos (no dia 24/05), a biografia sai nos EUA tal como Shelton a concebeu. Revisada por Elizabeth Thomson, amiga que acompanhou os anos finais de edição, foi também a primeira versão a sair por aqui, pela Larousse do Brasil, no último dia 15/05.

“Shelton sempre disse que a biografia havia sido ‘resumida sobre águas turbulentas’”, disse Thomson ao Estado. “O livro terminaria com a turnê de 1978. Como a edição demorou, ele teve que atualizar até os anos 80, que não era uma boa fase de Dylan, e ele não tinha muito o que dizer. O forte eram os anos 60, quando Dylan e ele saíam juntos. Boa parte foi cortada em 1986 para que o livro tivesse tamanho aceitável.”

A nova edição, com consideráveis 768 páginas, é bem mais detalhada sobre os anos 60 e termina como Shelton queria, em 1978. Um ponto alto é a descrição de um voo no avião particular de Dylan, em 1966, quando uma exclusiva era chance rara para qualquer jornalista. A edição de 1986 deixou a situação “formal e entediante”, segundo Thomson. “Não dava a dimensão do que era aquele homem acelerado, por bebidas, drogas ou o que fosse, falando sem parar.”

No livro, Shelton descreve: “O ritmo do discurso e a vitalidade dos pensamentos passaram a inflamar Dylan. Seus olhos estavam despertos quando ele prosseguiu: ‘Pergunte qualquer coisa que respondo. Agora temos algo muito claro em relação ao livro. Darei a você quanto puder do meu tempo. Você pode me enrolar, mas nunca vou perdoar se fizer isso, cara’”.

Na nem sempre confortável posição de amigo, o que assumidamente interferiu em análises na biografia, Shelton manteve acesso a Dylan enquanto outros repórteres se debatiam em tentativas de entrevistas com resultados dadaístas (aquelas famosas, com perguntas e respostas do gênero “Sobre o que é seu livro?” “Anjos.”; ou “Quantos cantores de protesto existem?” “Cerca de 136.”). O jornalista testemunhou inclusive a origem da aversão do amigo à imprensa: uma reportagem da Newsweek, de 1963, que localizou os pais de Dylan, com quem ele não falava havia anos, e revelou seu nome real, Robert Zimmerman.

Shelton também viria a falar com a família, criando retrato pungente das discrepantes lembranças de Dylan e de seus pais em relação aos tempos em que ele vivia em Minnesota. Mas isso após pedir autorização, como fez também antes de entrevistar Suze Rotolo, a namorada eternizada na capa de The Freewheelin’ Bob Dylan (1963). A esse pedido de Shelton, Dylan respondeu: “Ela sabe mais do que ninguém que, em 1961 e 1962, quando não tinha ninguém por perto, eu tocava aqueles velhos discos de Elvis Presley. Na verdade, eu disse a ela para nunca falar com ninguém. Mas, se você quiser falar com ela, tudo bem. Só não a pressione, ok? Todos a pressionam”.

por Raquel Cozer – originalmente publicado em 'A Biblioteca de Raquel' e no 'O Estado de S.Paulo'

R.I.P. Suze Rotolo, eterna musa!

2011-02-27T21:36:00.008-03:00

O site da Revista Rolling Stone publicou que Suze Rotolo, ex-namorada e eterna musa de Bob Dylan, faleceu no último dia 24/02, aos 67 anos. As causas da morte não foram divulgadas.

Suze, a garota que ficou imortalizada ao aparecer abraçada ao bardo na capa do seu segundo disco, ‘The Freewheelin´Bob Dylan’ e eternizada em várias canções do mestre, tais como "Don't Think Twice, It's All Right"; "Boots of Spanish Leather" e "Tomorrow Is a Long Time", havia lançado, em 2009, um livro de memórias (A Freewheelin' Time: A Memoir of Greenwich Village in the Sixties), no qual narrava acontecimentos daqueles primeiros tempos de Dylan, quando este, então um jovem imaturo saído do meio-oeste americano, chegava à cidade de Nova York e dava seus primeiros passos em direção ao estrelato, apresentando-se em bares e cafés do Greenwich Village.

Muitos atribuem à musa, uma boa dose de responsabilidade no amadurecimento de Bob Dylan naqueles primeiros anos. Howard Sounes, um dos melhores biógrafos de Dylan, afirma que Suze era “uma artista que lia Rimbaud e Byron e se envolvia em produções teatrais de Brecht”. Suze esteve presente às sessões do disco de estréia de Bob Dylan. Foi ela quem lhe deu o porta-batom usado para trastear o violão na gravação de “In My Time of Dyin’”. Meses depois, serviu como inspiração p/ boa parte de ‘The Freewheelin´’, disco que a eternizou e que consolidou Bob como o grande artista que influenciaria todas as gerações que se seguiram.

O relacionamento se desfez. Bob casou-se com Sara. Suze uniu-se a Enzo. Mas a inspiração daqueles primeiros anos do artista em formação, ficou para sempre... R.I.P., Suze, eterna musa!

Mais um concerto histórico vê a luz do dia...

2011-02-26T16:29:00.005-03:00

Depois do ‘Live at the Gaslight - 1962’, lançado com exclusividade pela rede de cafés Starbucks em 2005 e do memorável ‘Live at Carnegie Hall - 1963’, de uma promoção limitada da Columbia Records, Bob Dylan anunciou em seu site oficial o lançamento de um novo disco “ao vivo”. Na verdade, o “novo velho álbum” captura mais uma apresentação histórica, antes da fama, daquele que viria a se tornar “a voz de sua geração”, na época, um jovem de apenas 21 anos, desta vez o concerto no Brandeis First Annual Folk Festival, na cidade de Waltham, no Massachusetts, no dia 10 de maio de 1963, cerca de duas semanas antes do lançamento do álbum ‘The Freewheelin' Bob Dylan’, cuja gravação foi descoberta recentemente nos arquivos de Ralph J. Gleason, um dos fundadores da revista Rolling Stone, pelo seu filho Toby, numa faxina na velha casa de seus pais, após o falecimento de sua mãe.

Estamos falando do álbum ‘Bob Dylan in Concert – Brandeis University 1963’, que será lançado em CD e vinil, no próximo dia 12 de abril. Na verdade, trata-se de um disco já lançado recentemente, numa edição limitadíssima, como bônus por ocasião da pré-venda do ‘Bootleg Series – Vol.9 / The Witmark Demos’ e do box ‘The Original Mono Recordings’, caixa contendo os 8 primeiros discos do velho bardo, nas suas versões originais, em mono. Portanto, alguns felizardos que fizeram a compra antecipada, inclusive este que vos escreve, receberam o disquinho de brinde, numa embalagem do tipo mini-vinil, de papelão, que aparentemente será substituída nessa nova versão, tendo em vista que, segundo informações oficiais, o álbum trará ainda “liner notes” de de Michael Grey, autor do livro ‘The Bob Dylan Encyclopedia’, com considerações a respeito das 7 músicas presentes no disco e também sobre os contextos histórico e cultural vividos naquela época.

No texto, elaborado especialmente para este lançamento, Grey destaca que “é um milagre que a gravação ainda exista”. A gravação raríssima, até então inédita, posto que nunca havia sido disponibilizada nem mesmo por “bootleggers”, traz áudio em mono, registrado diretamente da mesa de som e com qualidade suficiente para ser lançada oficialmente.

Confira abaixo a lista completa de faixas:

• Bob Dylan In Concert: Brandeis University 1963

1 – Honey, Just Allow Me One More Chance (incompleta)
2 – Talkin’ John Birch Paranoid Blues
3 – Ballad Of Hollis Brown
4 – Masters Of War
5 – Talkin’ World War III Blues
6 – Bob Dylan’s Dream
7 – Talking Bear Mountain Picnic Massacre Blues

Baixe o volume do áudio e percorra as próximas páginas

2011-01-25T16:23:00.012-03:00

No texto abaixo, uma mais que bem-vinda colaboração de um grande amigo dylanesco, o popular 'Visconde'. Boa leitura!

Se ouvir os novos trabalhos do Dylan é como aguardar um próximo capítulo de um romance surpreendente que nunca se fecha, a expectativa de lê-lo sempre foi imensa por parte de um séquito qualificado de fãs. A pergunta era: seria capaz, o compositor e poeta mais destacado do século XX, oferecer uma prosa escrita a altura do seu talento na música?

A agência de notícias EFE divulgou no último dia 20/01, que o músico americano Bob Dylan assinou contrato para escrever seis novos livros, que eventualmente serão distribuídos pela editora Simon & Schuster. Em 2004 a editora americana publicou com sucesso de vendas “Crônicas: Volume 1” de Dylan. Dos volumes previstos, dois deles serão a continuação da trilogia proposta por “Crônicas”, que foi muito elogiada pela crítica.

Muito provavelmente a Editora Planeta do Brasil deverá assegurar o direito de reprodução para a língua nativa e repetir semelhante quantidade de vendas do Volume 1, que disponibilizou no início de 2005. Será o suficiente para que os fãs e admiradores do cantor e compositor americano possam ler da própria lavra do mestre aspectos e passagens de parte da sua longa e profícua carreira.

Mas ai que está. Dylan beira aos 70 anos a serem completados ainda neste primeiro semestre e a dúvida, com alguma pertinência, é sua capacidade e disponibilidade de tempo para escrever tanto de forma sã e compatibilizar com seu circo permanente de apresentações cuja agenda é das mais exigentes. Dylan tem se notabilizado, entre outras coisas, pela aparente decisão de levar a sua arte onde as portas estiverem abertas, sempre de maneira surpreendente e inovadora. Faz parte da tradição e comportamento do músico, desde há muito, não repetir performances tal qual roteiro de teatro. É sempre uma nova e nem sempre tão feliz abordagem de músicas dos mais de quarenta anos de carreira permeada com a produção recente. Basta lembrar que conta-se nos dedos de uma mão o número de compositores da chamada música popular que continua apresentando novas obras como ele.

A dúvida pode fazer algum sentido para os mais desatentos. Acredito em outra coisa. É muito provável que a sequência de Crônicas já deva estar em condição de prelo. Faz muito sentido Dylan ter esboçado e rascunhado a continuidade do primeiro volume no mesmo período em que o disponibilizou. Talvez apenas alguns detalhes estejam sendo considerados antes do seu lançamento, como ainda pode ser que faça parte de uma estratégia de vendas em doses homeopáticas para melhor assimilação do leitor. É da natureza do Dylan a produção de fôlego em quantidade e qualidade como o prova seu primeiro período de gravação, lá pelos anos 60 e o que foi servido na primeira década deste século: trabalhos impecáveis, amplos; novidades e referenciais adequados ao momento histórico da humanidade e da cronologia do próprio autor.

Se ouvir os novos trabalhos do Dylan é como aguardar um próximo capítulo de um romance surpreendente, que nunca se fecha, a expectativa de lê-lo sempre foi imensa por parte de um séquito qualificado de fãs. A pergunta era: seria capaz o compositor e poeta mais destacado do século XX oferecer uma prosa à altura do seu talento na outra arena? A resposta é sim e desta vez não estava no vento e sim nas páginas do primeiro volume de Crônicas. Literatura de primeira, coloquial sem ser simplório; criativo sem ser surrealista como parte de suas letras de música, objetivo e envolvente.

Nas pouco mais de trezentas páginas do primeiro volume, percorremos um período curto da vida do artista orientado por ele próprio e nesse percurso ninguém se perde no caminho apesar das particularidades e especificidades da América do início da segunda parte do século XX. Dylan nos brinda com uma articulação de idéias concatenadas e amarradas entre si de maneira a não nos distrairmos e nos perdermos com a generosidade de detalhes que acompanha as laudas. Um evidente talento como escritor. Serve informações alocando-as em contextos que ganham ares de uma composição pictórica, outro talento relativo do músico que já o depositou em telas que circulam por algumas galerias na Europa. E o que mais impressiona. Não há sequer uma linha ficcional em toda a obra como prova uma rigorosa comparação, por exemplo, com o livro “Dylan - A Biografia”, de Howard Sounes, publicado em 2002 pela Conrad Livros.

É possível percorrer com a voz e vez do Dylan algumas passagens muito semelhantes às narradas pelo Sounes em seu livro biográfico, o que lhe confere maior credibilidade, reforçando a recíproca que se torna verdadeira, daí exclamamos: “Hã! Então foi assim mesmo que as coisas aconteceram”.

Prato refinado e de qualidade para os fãs que vão sorvê-lo de um fôlego só, poderá ser apreciado sem moderação por qualquer um que tenha algum interesse num dos mais fascinantes personagens e sua obra dos tempos modernos.

J. de Mendonça Neto (Visconde)

Que porra é Bob Dylan?

2011-01-02T14:32:00.011-03:00

Aqui vai mais um texto do jovem e talentoso blogueiro gaúcho, Jonathan Rocha. Mais um amigo a dar sua contribuição ao Blog Dylan:

Aquele ar cigano, de pirata desencarnado, ou de vagabundo sem lar, que atravessa uma cidade com um cigarro na mão, atrás de fogo pra acender e tragar uma fumaça compatível com sua saúde, aquele ar, aquilo, exatamente aquilo é uma incógnita. Eu não quero definir esse ar, não quero encontrar a resposta pra essa pergunta. Isso nem teria como. Mas eu quero me indagar até o fundo da minha alma, quero exercitar os neurônios estrapolados do meu cérebro para tentar entender: que porra é Bob Dylan?

Procurei nas entrelinhas - nas estrelinhas também - embaralhadas do Chronicles e só encontrei mais rotas sem sentidos, desconexas. Na verdade não gostaria de encontrar a resposta, mas me esforço em raciocinar sobre, talvez se um dia encontrar eu escreva um livro contando. Talvez vire best-seller. Mas esse ar cigano, essa imcompreensão é o que compõe a mística desse judeu de ar cansado. E eu sei que aquela voz rouca que lança um uivo de dor, não quer ser ouvida pelo entusista descobridor de mistérios, mas quer lançar perguntas ao ar, quer fazer as situações-problemas aparecerem e desaparecem como um raio. E no final das contas, a gente coloca um disco do Dylan, acende um cigarro e chora ouvindo uma canção sem nem precisar entender que porra ele é.

Essa é a resposta da pergunta? Claro que não. Se fosse tão fácil assim os fazedores de hits na internet teriam a mesma mística, não? Então vai mais além. Mas vai até onde? Não quero saber, eu só quero mesmo é divagar um pouco sobre essa figura singular. Eu já sei que a resposta está soprando no vento, e que ele leva e traz essa resposta. Eu quero me antenar pra não perder ela de vista, deixar ela sempre a dois palmos da minha percepção. Mas nunca ouvi-la, definitivamente. Manter a incógnita, o mito, a preocupação em descobrir que porra é esse tal de Robert Allen Zimmerman!?!? Dizem que é muito mais que um cantor que escreve e canta poesias retiradas do fuindo das entranhas de um coração partido envelhecido em whiskey doze anos. Dizem que é muito menos que isso, um babaca, uma tarturuga escondida num casco. Mas põe casco né? Casco de cowboy solitário e de cristão renascido.

Acho que ele é o dono do Desire, isso basta. Basta até o café esfriar, e o tempo do outro chegar na mesa. O tempo do cigarro percorrer metade do papel e quase encostar no filtro, fazendo meus dedos recuarem por culpa do calor. É só o tempo de duvidar de quem é Bob Dylan, aí não basta mais. Vira outra coisa, troca de figura. Vira o dono do Bringing it All Back Home. Traidor do Folk. Os Mutantes também trairam a música brasileira, ou não? Essa história de guitarra elétrica já deu o que falar. O negócio, eu acho, é a traição. Dylan traiu a todos, por isso não podemos achar uma explicação. Como responder uma mentira, uma pergunta que não existe? Ele só é. Entendeu a ênfase no "É"? Então, tudo como está e para de se questionar.

Vou tentar não perder o vento de vista, deixar o ar cigano tocar nas minhas narinas e entrar nos meus pulmões. Ouvir a voz rouca praguejar contra a chuva, contra a sala de estar, contra qualquer coisa. Vou apenas me acomodar numa poltrona velha, colocar a mão no queixo e em posição filosófica endagar outra vez - não antes de rir de todo esse texto ridículo: Que porra é Bob Dylan?

Por Jonathan Rocha
Texto originalmente publicado no blog http://thesadparadise.blogspot.com/

Transformar o cara em Cristo, para depois chamar de Judas.

2011-01-02T14:17:00.012-03:00

Por Jonathan Rocha, músico e escritor beat, 19 anos, de Porto Alegre/RS.

Talvez já tenha se dito ou especulado quase tudo sobre a vida e/ou carreira (artística) de Bob Dylan. Sobre os tempos reclusos, guerras conjugais, problemas com drogas, problemas com público, canções, interpretações falhas e também boas interpretações de sua obra. Mas acho que acima de qualquer pesquisa que se faça, acima de qualquer teoria, interpretação acadêmica, conversa de bar; está aquela sensação agradável (ou não) de ouvir uma canção, um suspiro que preenche a gaita, o toque dos dedos sujos na guitarra, ou no violão acústico, enfim, a sensação quase sempre única de ouvir algum trabalho do Dylan. E isso quer dizer que não importa o que o crítico disse sobre o disco, o que os fãs falam sobre a música ou que história ela guarda consigo, o que importa é o sentimento que eu sentirei quando os primeiros acordes soarem.

Não existe nenhum deus, nenhum herói, existe um cara compenetrado em escrever suas canções para desafiar o mundo, os críticos e - incrívelmente - os fãs. Toda interpretação que se faz, e isso não se vale apenas para as músicas do Dylan, é só metade do que a música representa, a outra metade não pode ser escrita, porque ela só se nota quando transborda pelo nosso corpo, seja em lágrimas ou em urros de raiva. Assim como as canções tribais, as sinfonias das metrópoles, as canções de Dylan simplesmente existem porque deveriam existir. Aquilo é um conjunto, Dylan traduz o asfalto quente, o óleo diesel, o canto do pássaro em retirada, a fumaça dos cigarros... e como interpretar uma coisa dessas? Só nos resta sentir e o que tornará isso mais interessante é que cada um sentirá da sua maneira, conforme ele vê ou sente o asfalto, os pássaros e os cigarros. As teorias, as conversas, as interpretações, são todas tentativas de explicar esse sentimento, não as julgo erradas, eu sempre que possível faço isso, é até um exercício para entender melhor estes sentimentos. Mas the answer is blowin´ in the wind, e o vento já passou, a gente só olha pelo retorvisor e sente um vazio no peito. Por isso, fumar um cigarro olhando o disco se movimentar na vitrola, calmamente junto com a melodia, é igual (ou melhor), que tragar aceleradamente em uma mesa de bar, atormentado por aditivos noturnos tentando conversar um outro que "Desire" é melhor que "Highway 61". São tentativas, são interpretações, pessoais, interpessoais, chapadas, ordenadas; são sentimentos, são movimentos internos. É apenas uma canção, um som dançando em nossos ouvidos, mudando gerações, fazendo pessoas entrarem ou sairem do buraco. Este é Bob Dylan.

Mas nessa confusão toda de sentimentos, de busca por explicação ou de tentar se aproximar do cara, acredito que uma coisa está certa: Bob Dylan traduz a metáfora da vida. Assim como outros artistas também o fazem muito bem (Julio Reny, no Brasil; Johnny Cash, lá fora...), assim como outras formas artísticas também fazem, assim como o próprio futebol representa uma metáfora da vida, nos campos tortuosos e sujos de várzea onde alguns talentosos se sobressaem aos esforçados e nobres zagueiros. A metáfora é essa, a vida não é fácil, não é um gramado verde limpo e liso, é um campo esburacado, com sinais de uma guerra, é a guerra vista do front. E o cara traduz isso, o cara saca essa metáfora e amplifica a guitarra pra fazer isso, ou simplesmente senta com um violão acústico e uma harmônica. As mudanças de estilos, as trocas de sonoridades, são adaptações, adaptações que sua alma faz ao mundo que engole asfalto lá fora. Não se muda o mundo com uma canção, então não há o que insistir no mesmo erro. A metáfora está na nossa frente o dia todo, nos metrôs lotados, nos ônibus pegando fogo, e alguém precisa armazenar isso nas nossas telas da vida, alguém precisa botar a cara a tapa. Ser o Judas e ser o Cristo, ao mesmo tempo.

Texto originalmente publicado no blog http://thesadparadise.blogspot.com/

The Witmark Demos

2010-09-27T16:28:00.003-03:00

Mais um texto da lavra do amigo Marcelo Xavier, profundo conhecedor da obra e carreira do Bob Dylan:

O público americano é como a Bela Adormecida: está dormindo profundamente, esperando ser beijado e despertado pelo príncipe da música folk. Quem proferiu essa frase foi Albert Grosmann, então apenas um jovem promotor de shows em Chicago, meio-oeste dos Estados Unidos. Ele estava no negócio do folk desde 1956, quando fundou o Gate Of Horn, em Chicago, descobrindo Odetta, Roger McGuinn e Bob Gibson. Quando Al conheceu George Wein, no fim dos anos 50, ele teve a brilhante idéia de se mudar estrategicamente para Nova Iorque, o paraíso das editoras musicais, e transformar o recém criado Festival de Jazz de Newport numa histérica e ululante meca do velho gênero entronizado por Woody Guthrie e os Weavers.

Em poucos anos, Newport seria oponto de encontro da velha e a nova geração, e base de lançamento de jovens artistas folk, como Joan Baez, Phil Ochs, os Clancy Brothers, entre outros. Grossman, naturalmente, tratou de criar uma editora para si, e de se oferecer como empresário de vários deles, como Gordon Lightfoot, Odetta, Pozo Seco Singers e, é claro, um trio que foi cria sua Peter; Paul and Mary.

Em fins de 1962, no mesmo ano em que o grupo lançava seu primeiro disco, Grossman descobriu um rapaz que tocava no Gerde’s Folk City, no Village, mas que, no entanto, já havia sido descoberto e que estava sob a tutela de John Hammond, quase em estúdio, pronto para lançar o seu primeiro disco.

O garoto cantava material folclórico do tempo de Henry Thomas e imitava os talkin’ blues de Pete Segger, conseguindo ser tão convincente quanto o autor da langorosa “Where All The Flowers Gone”, com a diferença que o fedelho mal contava vinte anos. Um cofre caiu na cabeça de Grossman: ele havia achado o “seu” príncipe encantado aquele que Seeger chamou de “mais prolífico compositor de nossa era”.

O homem não cessaria enquanto não conseguisse pôr as mãos naquele moleque que era compositor e cantor ao mesmo tempo. Só que ele teve uma idéia brilhante: iria registrar boa parte das composições numa editora. Grossman faturaria em cima dele tanto pelo registro original da maioria das músicas enquanto poderia faturar o dobro fazendo seus outros músicos realizarem covers.

Al persuadira seu novo contratado a transferir os seus direitos autorais de suas músicas de sua editora original, a Dutchess Music para a Witmark, uma espécie de subsidiária da Warner (é importante lembrar que Peter; Paul and Mary, moldados pelos escrúpulos de Grossman, eram justamente artistas da Warner).

Enfim, era um negócio promissor, principalmente num tempo em que o negócio da fábrica de compositores em Tin Pan Alley ainda estava no auge e a música folk havia ganho maior visibilidade a partir do fim dos anos 50. .

O problema é que o acordo secreto com a Witmark dava exatamente um faturamento de 50% de honorários por cada compositor que ele trouxesse para a editora. Dylan desconhecia esse acordo, e isso, com efeito, lhe geraria uma dor de cabeça que perduraria por anos entre Bob e Grossman.

Os registros são ligeiramente informais, gravados em rolo, mas não diferem muito da produção típica do Bob Dylan do começo da careira e a maioria do seu trabalho em disco na época podia ser produzido e editado em poucas horas (o Another Side, por exemplo, foi consumido em uma noite e algumas garrafas de Boulanger).

De certa forma, esses demos compreendem uma parcela considerável do reportório obscuro de Dylan, inclusive boa parte do material composto para os álbuns The Times They Are A-Changin e o The Freewheelin' Bob Dylan. Muitas dessas canções são pouco conhecidas ou completamente obscuras: "Sally Gal", "The Death of Emmett Till", "Rambling, Gambling Willie", e "Talkin' John Birch Paranoid Blues", "Kingsport Town" e "Whatcha Gonna Do", entre outras conhecidas, como "A Hard Rain's a-Gonna Fall" ou "Oxford Town".

Na verdade, os Witmark Demos, em parte (quarenta e sete músicas, no total), compreendem o período prolífico da gestação do The Freewheelin', esse talvez uma exceção na carreira de Dylan, já que seu segundo elepê levou quase um ano para ser lançado: a primeira sessão ocorreu ainda em Julho de 1962, quatro meses após o primeiro disco, com uma turnê pelo Europa durante a produção.

Ocorre que, nesse meio tempo, ele continuava a compor, e muito do material já editado foi sacado fora em favor de novas canções, como "Girl from the North Country", "Masters of War", "Talkin' World War III Blues", "Bob Dylan's Dream", e que seriam posteriormente incluídos no álbum. Alguns temas, como a controversa “Talkin' John Birch Paranoid Blues" (mais conhecida por conta da controvérsia), foram rejeitados por pressão da própria Columbia, depois que Bob Dylan foi orientado a não cantá-la no politicamente correto Ed Sullivan Show.

Como essas demos não eram registros formais - gravados de forma peculiar, ao sabor do improviso, ou seja, fora da CBS – muitas das suas canções mais conhecidas por causar estranheza pelo fato de que Dylan não utiliza harmônica. Uma curiosidade é ouvi-lo cantando Tomorrow Is A Long Time”, diferente da versão ao vivo do Greatest Hits 2.Outra é “Death Of Emmett Till”, que tem os mesmos acordes de House Of Rising Sun e que, talvez por conta disso, ficou de fora.

por Marcelo Xavier

Johnny Cash & Bob Dylan

2010-09-02T16:50:00.016-03:00

No final da década de ´60, mais precisamente no ano de 1969, dois grandes ícones da música americana, Bob Dylan e Johnny Cash, se reuniram para apresentação em um programa de TV e sessões de gravação em estúdio. Essa parceria rendeu uma música incluída no álbum ‘Nashville Skyline’, de Dylan e em uma série de bootlegs que circulam mundo afora. Abaixo, transcrevo um belo texto sobre o assunto, da lavra de Rodrigo de Andrade e publicado originalmente no site ‘Os Armênios’ (um dos melhores sobre música e litaratura), em 2006. A transcrição respeita integralmente a inusitada escrita do autor e sua publicação original pode ser vista no seguinte endereço: http://www.osarmenios.com.br/2006/07/johnny-dylan/

Segue o texto:

para maurício rigotto, com admiração.

anteontem assisti johnny & june. & o tempo inteiro fiquei pensando no quanto ka$h & dylan tem em comum.

ambos levavam uma carreira em ritmo frenético, excursionavam sem parar (a never ending tour de bob segue até hoje) & como conseqüência acabaram entupidos de boletas. durante a infância, sentiam enorme paixão pela música popular que rolava nas rádios locais (country & folk & western & boogie & gospel & traditional & cajun & bluegrass & honky tonk & blues…). na gênese, se envolveram com música da mesma forma (ainda que os quase dez anos de diferença na idade possibilitaram a dylan viver o boom do rock ainda na adolescência). mas zimmerman não tinha um relacionamento tão tempestuoso com o pai, & nem o apego religioso, & nem a tragédia com um irmão tão próximo (ainda na infância) como o lendário homem de preto. & ka$h fora profundamente marcado por isso tudo.

lembro que no alta fidelidade, rob gordon comenta algo como “tenho que admitir que meu livro predileto é ka$h, a biografia de johnny ka$h, escrita por johnny ka$h”. prefiro o filme do que o livro. & talvez me arrependa de escrever isso porque um monte de alternativos de plantão vão me cacetear defendendo o nick hornby (mas vai ser divertido). o fato é que o livro preferido do rob nunca vai chegar ao brasil, & johnny & june é uma bela oportunidade de conferir um pouco da biografia do ka$h.

todo mundo fala do verão de 1964, quando al aronowitz intermediou o encontro de dylan com os quatro cabeleiras do pós-calipso, & de como o judeu safado teria apresentado o fuminho do capeta aos rapazes (o que é um equívoco, porque john & george já eram chegados num beiseball). ok, foi um acontecimento marcante, eles se admiravam, se influenciavam, ficaram amigos & mudaram o mundo. mas pouco antes desse encontro, no newport folk festival (não no da eletrificação, mas na edição anterior), bob tinha conhecido alguém que lhe era muito mais caro, & que howard sounes comenta na biografia não-autorizada do artista (& que o cara daquele livro do comedor de xis – que é bem legal – comentou que o peninha achou a obra meio hebe camargo):

“Apesar do novo trabalho ter recebido críticas positivas e negativas, o festival foi pessoalmente importante para Bob porque ele finalmente conheceu o artista country Johnny Cash, com quem estivera se correspondendo e cuja música ele admirava há tempos. Bob e Johnny ficaram tão felizes por se conhecerem que, juntamente com Joan Baez e June Carter Cash, puseram-se a pular para cima e para baixo na cama do quarto de motel de Cash, ‘como crianças’, como este descreveu“. (p. 148 da edição brasileira, da konrad).

a partir daí, a presença de ka$h é sentida em fatos pitorescos da carreira de dylan. um ano depois, novamente no newport folk festival (aí sim), após o set elétrico de zimmerman (que derrubou o cu dos caretas & a gente pode ver & rolar & chorar & rir, no no direction home), bob volta ao palco (uns garantindo que aturdido pelas vaias, outros dizendo que rindo da armadilha que ele mesmo programara). estava com um violão em punho. foi aplaudido pela platéia, & quando pediu uma gaita trêmula emprestada, o público prontamente providenciou centenas. mas aquele violão, quem emprestou para ele, nos bastidores, fora ka$h.

bootleg series: as sessões de dylan & ka$h

em fevereiro de 1969, dylan estava em nashville gravando a (ótima) peça de country/folk-rock nashville skyline. no mesmo estúdio, ka$h também trabalhava em seu novo álbum. resolveram registrar umas canções juntos. bob johnston, produtor, conta que eles pegaram seus violões & simplesmente começaram a tocar… por umas duas horas. Foram umas dezoito músicas, & em algumas foram acompanhados por membros da banda de ka$h. dessas, apenas uma foi parar no disco de bob. uma versão suja & marcante de girl from the north country, que abre o disco. ainda assim há peças preciosas que nunca viram a luz do dia (apenas em versões piratas): matchbox, that’s alright mama, walk the line, ring of fire… essas outras canções estão presentes numa série de títulos piratas.

num do números da (então ressucitada) revista bizz, aproveitando o lançamento do documentário de scorcese & o volume sete da antológika bootleg series de dylan, produziram uma matéria bem legal sobre esses lendários registros de dylan que acabam vindo a tona em lançamento piratas fuleiros, com qualidade sofrível. a alegria dos fãs é quando esses tesouros são oficializados com qualidade decente nas bootlegs series. e o pessoal da bizz apostou na oficialização das sessões no porão da big pink, que já garantiria uma caixa com vários CDs (e seria incrível!). but, ainda mais com a onda por causa de johnny & june, prefiro acreditar (e torcer) pelo lançamento dessas sessões de dylan & ka$h em nashville.

para quem não agüenta esperar, esses registros circulam pela internet, & são facilmente encontradas nos mais diversos compartilhadores de arquivo. só posso dizer que vale a pena. procure pelos bootlegs “nashville 1969″ & “aces & diamonds”, ou mesmo por “dylan & cash sessions”.

outra da biografia escrita pelo sounes (p. 215): “De todas as estrelas da música que tinham suas bases no sul, a relação mais calorosa de Bob foi com Johnny Cash. Um sinal de afeição por Cash foi ele ter deixado de lado sua profunda implicância com a televisão para se apresentar na estréia do programa de televisão de Cash, gravado ao vivo no Ryman Auditorium, em Nashville – lar do Grand Ole Opry – em 1º maio de 1969“. na época, dylan andava completamente recluso. o fato da gravação ser com platéia, & de que nada poderia dar errado (seria take único) o deixou visivelmente perturbado (ou fora apenas uma paranóia, fruto dum baseado, maybe). ainda assim ele tocou três canções, sendo acompanhado por ka$h em girl from the north country. mas o show foi um enorme sucesso do programa, sendo reprisado várias vezes & colaborando com a promoção das vendas de nashville skyline. o áudio da performance também é encontrado nos títulos piratas listados acima.

nota de rodapé: recados achados no lixo

desde 1964 que dylan tinha um fã obsessivo chamado alan jules weberman. o mala incomodava muito: organizava manifestações em frente a residências de bob, publicava matérias dizendo que deviam ser feitos testes com a urina do rockeiro para constatar que ele era viciado em heroína, entre outras barbaridades. a verdade é que weberman era um junkie doidão & colecionava condenações pelos mais diversos motivos, desde vender maconha até agressão a um policial. entre suas pérolas, há o “método dylanológico” para se interpretar mensagens ocultas nas letras de bob. bobagem pura. em agosto de 1970, o retardado roubou um saco de lixo da casa do artista. chegou a desenvolver um método que consistia em se valer do lixo como base para artigos de jornal (que resultou no livro my life in garbology – minha vida na lixologia). entre as coisas que ele achou no lixo de dylan, havia o início de uma carta para johnny ka$h.

o judeu, o kountry & discos… menores???

após a monstruosamente genial trilogia de 1965/66 (composta pelos lendários álbuns bringing it all back home, highway 61 revisited & blonde on blonde) a crítica, o público & os fãs estranharam o direcionamento de dylan. john wesley harding (no finalzinho de 1967) & nashville skyline (1969) eram discos de country-rock. a diferença era evidente, mas como se tratavam de trabalhos com qualidade inquestionável, & apontou caminhos seguidos até mesmo pelos beatles & os stones (no álbum branco & beggars banquet respectivamente), & venderam bem (especialmente nashville skyline, empurrado pelo hit-single lay lady lay) ninguém ralhou muito. apenas alguns radicais que queriam de volta o ícone de protesto, herói da contracultura, que dylan havia se (ou sido) transformado.

os trabalhos seguintes, na mesma linha, não foram perdoados. até hoje são apresentados em biografias & resenhas como álbuns menores, de importância secundária. sem dúvida, são afirmações injustas. na verdade, são idiotices que foram se propagando com o tempo.

o country sempre esteve presente na vida & na carreira de dylan, desde sua infância & perpassando quase todos os seus discos. sobre os primeiros álbuns, deve ser dito que a fronteira entre o country & folk é bastante tênue, & os gêneros as vezes se misturam, andam juntos & geram peças híbridas. o country tem uma forma simples, variando sobre temas similares & sobre tradição, ainda que o gênero se estilhace numa enorme variedade de estilos. já o folk (o termo vem de folk+lore, conhecimento do povo, o “folclore”) é composto por canções que foram passando pelas gerações através da tradição oral. & ambos tem uma origem (e letras com temática) rural. assim, tanto o folk como o country (e seus vários sub-estilos) sempre estiveram incorporados na sonoridade de dylan, desde que ele se apaixonou por aquelas canções no rádio, em sua infância, & as foi conhecendo, pesquisando & tocando até que alcançasse o estrelato.

a influência country sempre esteve presente na obra de bob. desde o primeiro álbum. até na trilogia de 1965/66 isso é sentido. seja numa levada caipirosca, no dedão pesado em algumas canções acústicas, ou mesmo na guitarrinha country de faixas de bringing it all back home & até blonde on blonde. usar esse pretexto para achincalhar álbuns como john wesley harding, nashville skyline & os posteriores é uma enorme bobagem. o country sempre esteve & estará no som de dylan.

com o sucesso comercial de nashville skyline, bob voltou aquela cidade em seguida, no final de abril de 1969, com vários songbooks. informou ao seu produtor, bob johnston, que queria gravar um disco com músicas de outros artistas. começava a gestação de self portrait. um dos motivos que levou dylan a tomar essa decisão era o fato de que, em virtude de contratos anteriores, suas composições geravam rendas para albert grossman, manager com quem estava brigado. assim, gravando músicas de terceiros, bob negava a grossman a renda de publicação. Também, pesando nesse sentido, tinha o fato de que continuando a gravar em nashville, ele se via cercado por pessoas de uma tradição musical que amava. era o cenário & os estúdios de onde haviam saído johnny ka$h & uma série de outros heróis que dylan admirava, especialmente na adolescência. tanto é que usou, nas seções, vários músicos que já haviam gravado com elvis, como bob moore, delores edgin & millie kirkham.

as gravações foram um tanto irregulares, & após ter se mudado de woodstock, dylan rompeu com nashville. tratou de gravar o restante álbum no estúdio da kolumbia em nova york. o motivo nunca ficou claro, o fato é que o rompimento foi deveras brusco, & os músicos de nashville ficaram magoados, como charlie mccoy & kenny buttrey, especialmente por não serem avisados, & nem terem recebido ao menos uma cópia do disco, após o lançamento.

self portrait foi lançado em junho de 1970 & a crítica simplesmente destruiu com o álbum. composto pelas covers, algumas faixas ao vivo & até temas instrumentais (a faixa wigwam, que no brasil virou tema da tv record, dez anos depois), todos se decepcionaram por bob, o grande poeta, não ter apresentado uma quantidade maior de material inédito. especialmente pelo fato do disco ser duplo. greil marcus, o erudito do rock (autor de a última transmissão, lançado esse ano na coleção iê-iê-iê da konrad), escreveu uma crítica para a revista rolling stone que já iniciava perguntando “que merda é esta”. geralmente adulado pela mídia, pela primeira vez dylan era alvo de deboche & pancadas.

por mais suspeito que eu seja, não acredito que o disco mereça tamanho desprezo. não era a primeira vez que bob mudava a sua “direção” musical, & o flerte com o country estava entalado na garganta de muita gente. continuavam a se decepcionar porque o rockeiro ia explorando caminhos novos sem ligar para o que os outros esperavam. pela primeira vez, ele se valeu de “enfeites” como arranjos melosos de cordas, sopros & acompanhamentos vocais. o resultado foi diferente de tudo que o artista já havia produzido, mas não de todo mal. uma faixa que se encaixa totalmente nessa proposta nova, & que foi detonada na época, é a primeira do álbum: all the tired horses. exagero. não é uma música má. anos depois chegou a ser incluída na (excelente) trilha sonora do (puta) filme profissão de risco (com o gatinho do johnny depp). ainda, o álbum trazia covers de blue moon (sucesso na voz de elvis), the boxer (de simon & garfunkel) entre outras. nem a versão ao vivo na ilha de wight de like a rolling stone, countryzona, foi polpada. mas, ninguém nega que o disco tenha momentos fortes, marcantes, como its hurts me too (parecendo ser dedicada a uma amante com um filho) & gotta travel on, de paul clayton.

segundo al kooper, bob ficou chateado com a má recepção de self portrait, & assim tratou de trabalhar num novo disco imediatamente, com canções novas. dizem que por ciúmes pelo produtor bob johnston, & os músicos charlie daniels & ron cornelius estarem tocando na turnê de leonard cohen (outro grande poeta-rockeiro-judeu), dylan teria dispensado-os, & colocou kooper para produzir seu novo álbum. & assim, ainda em 1970, apenas três meses após self portrait, new morning foi lançado (pouco antes do lançamento já atrasado do livro de bob, tarantula).

a rolling stone até recebeu new morning de maneira mais calorosa. a resenha de ralph j. gleason tinha como título “dylan está de volta!”. mas a opinião geral era uma bobagem. não podendo cacetear as músicas, indiscutivelmente boas (e no mesmo estilo do de self portrait, só que com apenas temas de autoria do próprio cantor) afirmavam que bob havia se vendido. o álbum era realmente mais leve, mas ótimo. gleason escreveu que o escutara dez vezes & não tinha encontrado uma única faixa ruim. & é verdade. mas não podiam dar o braço a torcer, & estava sendo bonito transformar dylan novamente em judas.

muitas faixas eram ainda das sessões de self portrait. a ótima if not for you foi lançada naquele mesmo ano no inacreditável álbum triplo de george harrison, all things must pass. ele & bob eram muito próximos. & no futuro, a música seria um sucesso na voz de olivia newton-john. diziam que went to see the gypsy falava sobre um encontro com elvis presley, mas dylan nunca admitiu nada nesse sentido. if dogs run free vinha com um arranjo jazzístico. three angels era, na verdade, sobre uma decoração que bob viu numa igreja, & um crítico da época afirmou que a canção era sobre a humanidade. a faixa título & outras duas canções do álbum haviam sido compostas para uma peça de teatro de archibald macleish, mas não foram entregues a tempo. na época, a universidade de princeton deu ao rockeiro o título de doutor em música honoris causa. durante a cerimônia, uma nuvem de gafanhotos pouso sobre árvores em frente ao prédio, no campus, onde estava ocorrendo a solenidade. david crosby (ex-byrds & então membro do crosby stills nash & young) tinha acompanhado dylan & sara até cerimônio & disse terem fumado uma baseado fortíssimo. achou o som dos gafanhotos esquisito & alto & pensou que sua cabeça fosse explodir por causa dele. inspirado pelo comentário, bob compôs day of the locust.

new morning novamente fora castigado por que dylan não era mais um cantor “de protesto”. apesar disso, a crítica confirmou que as canções eram boas, sem saber que muitas eram das sessões do massacrado self portrait. & até 1973 nenhum outro álbum do artista foi lançado (apenas uma coletânea, “more greatest hits”, que até trazia algumas faixas inéditas). foi quando surgiu a oportunidade de bob compor a trilha sonora & atuar num faroeste de sam peckinpah (ele admirava o diretor, & de maneira especial a película meu ódio será tua herança). as filmagens foram um tanto caóticas (com o diretor bêbado todo o dia), mas a atuação do rockeiro, num papel coadjuvante, ficou boa. & a trilha foi composta fora dos moldes habituais. sem se preocupar com a duração & os cortes das cenas, dylan foi produzindo temas instrumentais. cercado por um grupo bastante eclético de músicos, que incluíam booker t. & roger mcguinn (o roger magrinho), o resultado impressionou bruce langhorne, que era acostumado a trabalhar com trilhas sonoras: “me dei conta de que não tinha a ver com fazer a trilha” diz ele “mas com captar a emoção do filme”. a trilha incidental evoca em alto grau o faroeste. & bob fora aclamado pelo trabalho. o engraçado mesmo é perceber que o disco acabou vendendo bem, uma vez que possui poucas faixas acabadas, & soe mais como uma miscelânea de temas instrumentais, incidentais & temáticos. mas o hit knockin’ on heaven’s door foi um tremendo sucesso (sendo regravada por eric clapton, os farofeiros ridículos do guns’n'roses, zé ramalho é uma penca de outros artistas). é apenas engraçado constatar que um disco de recortes de temas do filme tenha sido bem recebido, uma vez que trabalhos anteriores, bem montados & acabados, tenham sido caceteados sem perdão.

encerrando essa fase mais caipiresca, & injustamente apontada como fraca, existe um disco que foi lançado sem que a gravadora consultasse o artista. em 1973, seu contrato com a kolumbia expirou, & bob assinou com geffen, se mudou para a asylum (subsidiária da elektra, que depois se tornou o “e” da wea) & gravou dois discos incríveis com a the band (planet waves & o ao vivo convulsivo before the flood). mas antes desses lançamentos, & para concorrer com eles, a kolumbia lançou um disco de sobras de estúdio. composto por canções gravadas durante (e entre) self portrait & new morning, o lp, que fora batizado simplesmente de dylan, mal foi escutado. sua fama, por ser um amontoado de restos de discos considerados fracos, era o suficiente para consagrá-lo como o pior trabalho de toda a vasta discografia do rockeiro. novamente, não vou ficar arrolando razões em defesa de um álbum massacrado. digo apenas que, dentre todos esses títulos, desde o início da década de 1970, acho que aí está o meu favorito. um tiro curto (são apenas nove canções) & que até pode soar kitsch (não que eu me importe). mas lado “a” é irrepreensível. abre com lily of the west, seguida por i can’t help falling in love (elvis) antes de emendar a vibranta sarah jane, para fechar com uma canção tradicional, spanish is a loving tongue. o lado “b” também é muito legal, com direito até a big yellow taxi (da joni mitchell) & a fool such as i (outra de elvis).

por fim, concluo apostando em todos esses discos menosprezados. fatores históricos levaram ao seu obscurecimento, por um preconceito contra o country & uma vez mais por dylan ter optado por rotas distintas para sua carreira musical. um feito que decepcionou a crítica, & acabou marcando tais obras. entretanto, hoje, com um distanciamento que permite uma análise mais fria daquilo que realmente importa, que são os discos, eles parecem coerentes & consistentes. aprecie sem preconceitos, nem que seja para concluir que não passo de um dylanófilo cretino esperneando por bobagem.

por rodrigo de andrade (garras)

Nota, a foto acima, na qual o autor aparece deitado entre diversos discos ‘dylanescos’ é de autoria de Roberta Scheibe.

Direto do forno!

2010-08-25T18:51:00.013-03:00

Tem novidades ‘dylanescas’ no forno. Segundo a Newsletter do site oficial do Bob Dylan, a Sony/Columbia prepara dois grandes lançamentos, previstos para chegarem às lojas (pelo menos nos EUA e na Europa), no dia 19 de outubro de 2010. O primeiro deles é ‘The Bootleg Series Volume 9 – The Witmark Demos’, nada mais, nada menos que 47 canções gravadas entre 19612e 1964, em suas próprias editoras de música, Leeds Music e M. Witmark & Sons, apenas com Bob Dylan e seu violão acústico, sua harmônica e, ocasionalmente, ao piano. Esta edição chegará às lojas em CD duplo ou num Box com 4 LPs vinil 180 gramas. Ambas versões estão em pré-venda e com uma camiseta de brinde. Há ainda uma edição 'deluxe', que vem com livreto recheado de fotos da época.

Circula pela internet o provável ‘set list’ desse 9º Volume da ‘Bootleg Series’:

Disc 1:
1. Man On The Street (Fragment)
2. Hard Times In New York Town
3. Poor Boy Blues
4. Ballad For A Friend
5. Rambling, Gambling Willie
6. Talking Bear Mountain Picnic Massacre Blues
7. Standing On The Highway
8. Man On The Street
9. Blowin’ In The Wind
10. Long Ago, Far Away
11. A Hard Rain’s A-Gonna Fall
12. Tomorrow Is A Long Time
13. The Death of Emmett Till
14. Let Me Die In My Footsteps
15. Ballad Of Hollis Brown
16. Quit Your Low Down Ways
17. Baby, I’m In The Mood For You
18. Bound To Lose, Bound To Win
19. All Over You
20. I’d Hate To Be You On That Dreadful Day
21. Long Time Gone
22. Talkin’ John Birch Paranoid Blues
23. Masters Of War
24. Oxford Town
25. Farewell

Disc 2:
1. Don’t Think Twice, It’s All Right
2. Walkin’ Down The Line
3. I Shall Be Free
4. Bob Dylan’s Blues
5. Bob Dylan’s Dream
6. Boots Of Spanish Leather
7. Walls of Red Wing
8. Girl From The North Country
9. Seven Curses
10. Hero Blues
11. Whatcha Gonna Do?
12. Gypsy Lou
13. Ain’t Gonna Grieve
14. John Brown
15. Only A Hobo
16. When The Ship Comes In
17. The Times They Are A-Changin’
18. Paths Of Victory
19. Guess I’m Doing Fine
20. Baby Let Me Follow You Down
21. Mama, You Been On My Mind
22. Mr. Tambourine Man
23. I’ll Keep It With Mine

Algumas destas músicas de Dylan, jamais foram oficialmente lançadas, embora uma delas, um hino dos direitos civis, "The Death Of Emmett Till", tenha sido incluída na compilação da Smithsonian Folkways, de 1972, "Broadside Ballads, Vol. 6: Broadside Reunion."

O outro lançamento, extremamente aguardado pelos fãs e colecionadores, pegando carona na recente onda de relançamentos em mono, é ‘The Original Mono Recordings’. Que vem a ser um Box com os 8 primeiros discos do bardo, nas suas versões originais, em mono, exatamente da maneira que o artista entendia que aquelas canções deveriam ser escutadas. Esses oito álbuns, que vão de seu disco de estréia em 1962, simplesmente chamado ‘Bob Dylan’, até ‘John Wesley Harding’ de dezembro de 1967 estão entre os mais importantes da história da música.

Segue abaixo, a lista dos oito álbuns que farão parte deste ‘box’, que já está em pré-venda em 2 versões, 8 CDs ou 9 LPs vinil 180 gramas, ambas com um pôster-brinde. Existe ainda uma outra versão, acompanhada de livreto com fotos e um ensaio do consagrado crítico musical Greil Marcus:

Bob Dylan – 1962
The Freewheelin’ Bob Dylan – 1963
The Times They Are A-Changin’ – 1964
Another Side Of Bob Dylan – 1964
Bringing It All Back Home – 1965
Highway 61 Revisited – 1965
Blonde on Blonde – 1966
John Wesley Harding – 1967

Ainda não há previsão de lançamento destes itens no Brasil, mas tudo indica que também ganharão suas edições nacionais. Vamos aguardar!

Mais literatura dylanesca...

2010-07-06T14:22:00.007-03:00

Mais um pouco de “literatura dylanesca” disponível no mercado editorial nacional. Trata-se do Livro “Like a Rolling Stone”, do crítico Greil Marcus, traduzido para português e recentemente lançado pela Companhia das Letras com o subtítulo “Bob Dylan na Encruzilhada”.

Terminada a leitura do livro, queria deixar aqui no Blog minha impressão definitiva a respeito do mesmo. Quer dizer, definitiva talvez nem seja a palavra adequada, já que muitas vezes uma releitura faz com que a aquela impressão inicial por vezes se modifique. Mas vamos lá:

O livro parte de uma premissa bastante promissora, que é discutir a música hoje, vista sob uma perspectiva histórica, 45 anos depois. Confesso, porém, que não me agradou muito, embora não seja ruim. Achei um pouco chato, meio pretensioso, intelectualóide...

Greil Marcus é um crítico conceituadíssimo, tem uma extraordinária bagagem, mas no livro, a impressão que me deu é que apela pra muita filosofia e pouca informação concreta. Tenta soar como um profeta, um iniciado, alguém que fez uma descoberta ou talvez tenha uma revelação a fazer. A mim, pareceu um pouco presunçoso, embora admita que muita gente possa gostar do estilo. Eu talvez seja mais adepto à pesquisa, a dados biográficos, etc.

Talvez minha expectativa tenha sido muito elevada, mas me deu a impressão que às vezes o autor viaja numas interpretações da 'obra dylanesca'. Soa como se fosse o único a compreendê-la, um 'escolhido', mas objetivamente não diz muita coisa. De fato, o livro tem algumas ótimas passagens, como uma bela homenagem do Dylan a Sam Cooke; o episódio da torça do produtor de Tom Wilson para Bob Johnston e outra, interessantíssima, sobre o início hesitante da carreira de Jimi Hendrix e de como as tentativas dele de tocar os discos de Dylan para amigos no Harlem, eram recebidas com desdém.

Além destas, posso citar diversas outras, como a que pinça uma fala de Mike Bloomfield, sobre Newport ´65, na qual ele dá a entender que a rejeição ao ‘Dylan elétrico’ pelos puristas talvez tenha se dado muito mais por levar eletricidade ao templo acústico. Bloomfield afirma que Lightnin´ Hopkins, p. ex., havia 12 anos que gravava discos ‘eletrificados’, mas não levava sua banda ao festival, chegando lá como se recém-saído dos campos. Uma outra sobre o desespero que levou Levon Helm a deixar a banda em plena turnê americana, por não suportar conviver com vaias e platéias enfurecidas.

Uma nota de rodapé que chama atenção é sobre o amigo paraplégico Larry Keagan, que conservou consigo um disco de alumínio com algumas das 1ªs gravações do Bob em 1956. Quando morreu, em 2001, a família dele teria tentado, sem sucesso, vender o disco no eBay pela bagatela de US$ 150 mil. Muito legal também a narrativa da obsessão do Dylan pela Highway 61.

A melhor parte, porém, talvez por ser provavelmente a mais esperada, vem no Capítulo 10, com o relato do famoso show “Judas!”, em Manchester, Inglaterra, que leva o autor, sabiamente, a considerar que nem “Like a Rolling Stone”; nem Dylan; nem o seu público foram os mesmos após aquela turnê.

Pode parecer antagônico, com tanta coisa interessante, achar o livro um pouco chato. Porém, na minha opinião, falta fluidez ao texto em boa parte do livro. Às vezes a leitura se torna modorrenta e a impressão que dá, é que o autor tenta soar profético, revelador, alguém que alcançou algo que os demais não conseguiriam. Bem, são apenas minhas impressões. Recomendo que leiam e tirem as suas próprias...

Outra coisa que merece registro, é que o autor poderia ter economizado algumas páginas, deixando de fazer as absolutamente dispensáveis referências aos Pet Shop Boys e Village People. Aliás, Marcus é autor daquela resenha do disco 'Self Portrait', a famosa "Que merda é essa?". Talvez fosse hora do Dylan devolvê-la, no momento que Marcus faz estas referências no livro dele.

Foto em frente à Livraria Cultura, do Conjunto Nacional, em São Paulo, onde o livro era destaque.

Like a Rolling Stone - Bob Dylan na Encruzilhada
Greil Marcus (Companhia das Letras; tradução de Celso Mauro Paciornik; 256 páginas)

O Álbum Branco de Dylan

2010-07-04T07:32:00.013-03:00

Aqui vai mais um excelente texto sobre o ‘Great White Wonder’, famoso bootleg do Bob Dylan, já abordado aqui no Blog. Esse é da lavra de Marcelo Xavier, grande amigo e verdadeira ‘dylanpedia’.

Em fins de 1969, o New York Times largou essa nota:

O artigo era a respeito da considerável repercussão que um álbum lançado no mercado negro (um bootleg) norte-americano, contendo material inédito de Bob Dylan. O disco, intitulado Great White Wonder, cuja concepção (era branco e duplo) remete ao White Album, dos Beatles, havia sido destaque na Rolling Stone em junho do ano anterior, em outro artigo, Dylan's Basement Tape Should Be Released.

O disco caiu nas ruas e a notícia dá conta de que a gravadora do autor de Blowin' In The Wind, a Columbia, ia tomar todas as medidas necessárias, cabíveis e possíveis a fim de tirar aquele escandaloso disco das lojas.

A história é a seguinte: em 1967, no auge do Verão do Amor, Dylan foi morar no mato nos arredores de Nova Iorque. Pessoal da antiga banda de apoio dele, os Hawks, que tinha relação como empresário dele na época, o Albert Grossman, acabou indo também para lá, e armaram um Q.G. num casarão cor-de-rosa que entraria para a história do rock.

O porão da casa virou um estúdio improvisado. O bando ficou boa parte do verão e do outono gravando, compondo material novo &/ou fazendo covers de temas folk antigos, tudo gravado em rolo. Gravaram mais de cem músicas. Muita coisa os Hawks não sabiam se eram do Bob Dylan ou covers, mesmo. Mas era só clicar no Play/Rec e pagar para ver...

Dylan saiu de lá no fim de 67 para gravar seu próximo disco, o John Wesley Harding, um trabalho totalmente apsicodélico. O curioso é que, para isso, ele dispensou os Hawks e o que ele gravou, com um grupo de Nashville (como fizera com o Blonde On Blonde), não tinha nada a ver com aqueles demos do porão.

O resultado da brincadeira foram rolos e rolos de música. Parte do material inédito seria mandado para a editora musical dele e de Grosmann, a Dwarf. Esse mesmo material foi passado para acetato — e eis que o astuto Grosmann não se fez de rogado: mostoru as novas canções para outros artistas (alguns empresariados por ele), que se interessaram em levar para o disco.

Assim se deu: por exemplo, o Fairport Convention gravou Million Dollar Bash, Manfred Mann registrou Mighty Quinn; Peter, Paul And Mary gravou Tears Of Rage, os Byrds, por sua vez, fizeram a festa: gravaram You Ain't Goin' Nowhere; Nothing Was Delivered e Wheel's On Fire.

Os Hawks — agora já batizados como The Band — gravaram Tears Of Rage, Wheels On Fire. George Harrison, que era amigo do Dylan, ouviu esse material e mostrou para seus três amigos. Diz-se que a idéia das sessões do Get Back foram inspiradas pelas sessões de Woodstock. De forma descompromissada, inclusive, ele e o Paul gravaram respectivamente I Shall Be Released e Please Mrs. Henry, na Apple.

A questão era justamente tentar entender porque depois de um ano, as gravações não foram lançadas oficialmente pela Columbia, e por que elas se diseminaram como sífilis pelo meio musical de forma endêmica. Quando a Rolling Stone se perguntou por qual razão as fitas não tinham um destino lógico, parte delas saiu na famosa versão bootleg, o Great White Wonder.

O disco, concebido por algum colecionador norte-americano, em 69. Ele passa por três fases do compositor.

A primeira, é uma gravação caseira, de 1961, onde ele toca parte do seu repertório do começo da carreira, que se assemelha naturalmente com o seu primeiro álbum: Candy Man, Ramblin' 'Round, Black cross, Ain't Got No Home, Death of Emmett Till e duas que foram lançadas oficialmente, See That My Grave Is Kept Clean e Man of Constant Sorrow.

A segunda cobre já a fase "elétrica", com material inédito do Bringing All Back Home: If You Gotta Go, Go Now (Or Else You Got To Stay All Night) e Sitting On a Barbed Wire Fence.

A terceira finalmente traz a peça de resistência do Álbum Branco de Dylan: highlights dos tapes de Woodstock, antes registrado em acetato: I Shall Be Released, Open The Door, Homer, Too Much of Nothing (que Petr Paul And Mary gravaram), Nothing Was Delivered e a belíssima Tears of Rage — composto em parceria com Rick Danko e que se tornaria um clássico com a The Band.

Esse material passou a ser pirateado largamente nos anos seguintes, e o Great White ganharia uma segunda parte. Dylan decidiu regravar oficialmente algumas canções, como I Shall Be Released e You Ain't Going Anywhere, que saíram no Greatest Hits II, de 71.

Em 1975, a fim de tentar estancar a pirataria infrene, a Columbia remixou parte dos masters de 1967, regravando alguns instrumentos e incluindo coisas que não nasceram oficialmente em Woodstock, como Katie's Been Gone e Bessie Smith, que são da The Band/Hawks e lançaram o conhecido The Basement Tapes.

Detalhe é que, mesmo que objetivo e conciso, a versão oficial deixou muita coisa de fora. Um exemplo é Quinn The Eskimo, que só foi lançado pela CBS na coletânea Biograph, de 1985. E, a rigor, nenhuma versão do Great White Wonder é idêntica a do Basement Tapes. Outro: I Shall Be Released, cujo título é o mote do artigo da Rolling Stone, aparece no GWW mas não saiu no elepê duplo de 75.

E é claro e cristalino que, depois de quarenta anos, esse bootleg — considerado como um dos primeiros da história, junto com o Kum Back, dos Beatles e outros, possui apenas valor histórico: muito desse material viu a luz do dia no Bootleg Series 1961-1991.

Por Marcelo Xavier
highway61@bol.com.br
Originalmente publicado em Vitrola, Minha Vitrola
http://vitrolaminhavitrola.blogspot.com/2010/06/o-album-branco-de-dylan.html

Alguma Puta Velha de San Pedro...

2008-08-05T20:31:00.006-03:00

Este é mais um texto do meu amigo Diego Quadros, exímio contador de histórias. Desta vez, ele se debruça sobre a belíssima trilha dylanesca para o filme "Pat Garret & Billy the Kid" de Sam Peckinpah. Abaixo o relato dele:

Quando conheci o álbum Pat Garret & Billy The Kid, do Bob Dylan, eu ainda não tivera a oportunidade de assistir ao excelente filme homônimo de Sam Peckinpah. Entretanto, eu lembro que colocava o disco pra tocar durante a noite, pouco antes de dormir, e, de olhos fechados, me sentia sendo diretamente remetido àquele mundo árido, povoado de personagens cruéis e duros, onde as pistolas ditavam as regras e o sangue jorrava em abundância, podendo inclusive ouvir o zunido das balas passando rentes ao meu ouvido.

Ainda na primeira faixa, Main Title Theme (Billy), com aqueles acordes secos de violão, o compasso pertubador feito pela meia-lua e o solo que age como um narrador contando uma emocionante história de aventura ocorrida em tempos remotos, eu já era capaz de visualizar um Pat Garret envelhecido levando uma saraivada de tiros sobre sua carroça, vindo a despencar já sem vida no chão arenoso da desértica fronteira com o México. Eu podia me sentir testemunha ocular dos assassinatos de Billy The Kid, estando tão perto a ponto de escutar alguém gritando “William Bonney acaba de matar mais um homem!” e um dos assistentes do xerife, sob a mira da espingarda empunhada pelo fora-da-lei, sussurrando: “É... e ele vai me matar também!” Eu podia tocar no cadafalso erguido para suspender o corpo do jovem pistoleiro durante a execução por enforcamento.

Eu podia tudo isso porque, ao ouvir esse maravilhoso e não-convencional álbum, eu me sentia lá... e, de fato, eu estava lá!

Cantina Theme (Workin’ For The Law) me transportava a um saloon onde apostadores mal-encarados jogavam pôquer e putas de seios caídos ficavam em volta fazendo a corte. Ou então me conduzia a alguma cantina de um vilarejo isolado no meio do deserto, em que um caçador de bandidos era homem suficiente para tomar uma garrafa de tequila barata em meio a um grupo de bandoleiros assassinos foragidos. A percussão de Cantina Theme, aliás, nos traz a sensação de que está antecipando um daqueles momentos de tiroteio desenfreado, aquelas cenas de massacre onde nós temos certeza de que a única verdade é que a maioria não sairá daquela espelunca vivo. Eu ainda hoje, quando escuto essa música, sou capaz de imaginar um close de olhos frios e atentos encarando o oponente, alertas a qualquer movimento em falso.

Tensão maior que essa, porém, eu sinto já nos primeiros segundos de Billy 1, quando a gaita tocada por Dylan entra rasgando o espírito, com um tom de agonia e desespero de partir o coração de qualquer espectador/ouvinte. Chego a ficar angustiado! Então o menestrel do oeste selvagem resolve ir além e dispara com sua voz característica um aviso ao herói: “Há armas do outro lado do rio mirando em você... um homem da lei no seu encalço louco pra te pegar... caçadores de recompensa dançando ao seu redor... Billy, eles não gostam que você esteja tão livre!” Como não se identificar logo de cara com um personagem desses? Quem nunca se sentiu numa situação dessas antes, ainda que metaforicamente?

River Theme, por sua vez, me lembra um cortejo fúnebre... mas também poderia ser uma señorita mexicana – ou mesmo uma índia – lavando roupas na margem do rio, cantarolando melodias monossilábicas nostálgicas... “Lá–rá... lá-lá-lá-lá...” É uma canção com capacidade de nos transmitir sua intenção emocional tão forte e saliente quanto Turkey Chase. Escutem esta música e tentem imaginar uma cena onde alguns ladrões-de-gado baratos se dedicam a um pequeno momento de lazer tentando caçar perus selvagens montados em seus cavalos... tentem perceber a descontração e o divertimento dos personagens... é fácil, não?

Knockin’ On Heaven’s Door é um caso à parte. É o único hit do disco, sendo conhecido por um público tão vasto que ultrapassa as barreiras espaço-temporais. Como é do conhecimento de todos, tem uma letra belíssima que se torna ainda mais poética quando inserida no contexto da película de Sam Peckinpah, onde vemos um xerife Baker ferido mortalmente, cambaleando em direção ao rio para sentar numa pedra com a mão por sobre o ferimento e contemplar a beleza da vida, saciando o seu desejo de partir navegando para bem longe em seus últimos momentos antes da morte.

Final Theme não poderia ser mais apoteótica e tocante... é como o encerramento de uma fantástica história que acabamos de ouvir de alguém que esteve lá e fez parte de tudo... alguém que narra os fatos com tamanha veracidade e precisão que simplesmente não tem como não nos sentirmos um dos personagens da aventura... é o desfecho de um conto sobre homens destemidos e indomáveis... sobre valores como honra, amizade, justiça e coragem... é a música que nos coloca frente a frente com um Billy The Kid atingido no peito por um tiro de rifle... diante de um Pat Garret remoído pelo remorso e pela culpa de ter matado o seu melhor amigo, sentado em silêncio absoluto sobre uma cadeira de balanço na varanda de um casebre de madeira.... é a trilha que fala sobre um amanhecer lúgubre e sombrio no meio do nada... sobre uma história sem final feliz nem triste... apenas um final...

E então Billy 4 entra para nos resumir toda essa jornada fantástica que acabamos de vivenciar na intimidade de nossa imaginação... como eu afirmara antes sobre esse disco ímpar e singular, eu fechava os olhos com os fones a todo volume e me sentia parte daquela fantasia de garoto... eu era o próprio Billy, ouvindo um Dylan preocupado me alertando de que Pat Garret estava no meu encalço e já tinha minha pista; pedindo para que eu não virasse as costas para ele; falando sobre os caçadores de recompensa e os pistoleiros neófitos tentando me encurralar; mandando que eu ficasse atento a qualquer ruído, que poderia se transformar num trovão vindo do tambor de suas armas; lembrando as mulheres que eu matei em El Paso ou comprei em Santa Fe; perguntando como eu me sentia sendo caçado pelo homem que era meu amigo...

Enfim, um Dylan atencioso, citando alguma puta velha de San Pedro e se lamentando por Billy estar tão distante de casa durante seu Grand Finale numa viela escura de Tularosa ou talvez no Vale do Rio Pecos...

Simplesmente "A Banda"

2008-07-29T13:14:00.010-03:00

Um grupo que se intitula apenas de "a banda" chama a atenção logo de cara. Com um nome simples e, ao mesmo tempo pretensioso - afinal se chamar de "a banda" pode soar por demais arrogante - The Band era um quinteto no qual quatro de seus integrantes eram originários do Canadá e um americano, que marcou o mundo da música nas décadas de 60 e 70. Seu primeiro disco, “Music from Big Pink”, chamou a atenção por vários motivos: num ano - 1968 - em que os jovens usavam cada vez mais roupas psicodélicas e colocavam a guitarra em primeiro plano, esses cinco homens se vestiam com roupas do início do Século XX e apostavam em arranjos tão sofisticados e delicados que pareciam uma ofensa. Mas a Band já era muito calejada. Juntos desde 1961, quando ainda eram conhecidos como The Hawks, o grupo já tinha uma longa estrada como grupo de apoio de um verdadeiro mito - Bob Dylan. Junto dele, viveram alguns dos mais belos momentos da história e gravaram discos antológicos. Dylan não participou de “Music from Big Pink” - ao menos oficialmente - mas deixou sua marca em algumas parcerias nas composições e na bela capa. De quebra, esse disco é considerado - atenção, fãs de listas!!! - uma das 10 mais belas estréias do rock. Uma coisa muito, muito fina. E se você ficou curioso ou achando que isso tudo muito pretensioso, bem... espere até ouvir The Band. Afinal, eles são A BANDA, certo?

Muito antes desses cinco cavalheiros mostrarem toda sua classe e capacidade em sua lendária carreira, é preciso voltar ao passado de Robbie Robertson, Rick Danko, Richard Manuel, Garth Hudson e Levon Helm, quando em 1958 nascia The Hawks.O The Hawks era, na verdade, uma banda de apoio para o cantor Ronnie Hawkins, um cantor de rockabilly que começava a ficar famoso, mas ainda não tinha alcançado um grande sucesso. Em 1958, Ronnie contratou um jovem talento chamado Levon Helm, nascido em 26 de maio de 1940, em Marvell, Arkansas. Apesar da pouca idade - 18 anos - Levon já tinha passado por algumas bandas locais e tocava guitarra, baixo acústico e bateria. E foi como baterista que entrou para a banda de Hawkins.

Mas Ronnie estava insatisfeito com sua carreira. Ele percebeu que se ficasse no sul dos Estados Unidos seria apenas mais um a cantar rockabilly. Foi então que o guitarrista dos Hawks, Jimmy Ray "Luke" Paulman entrou em contato com Conway Twitty, que fazia vários shows bem mais ao norte, precisamente no Canadá. Twitty tinha um homem forte lá, Coronel Harold Kudlets, que conseguia apresentações por todo país e até em algumas cidades do norte dos Estados Unidos, como Detroit e Buffalo. E Ronnie Hawkins and the Hawks perceberam que lá poderiam tornar-se algo grande. Assim, mudaram para Toronto, onde realmente eram considerados a grande sensação com seu rockabilly energético.Em 1959, Ronnie Hawkins lança seu primeiro disco que levava apenas seu nome e havia gravado em abril. Com 12 músicas, o disco marcou a estréia de Levon Helm na banda. Além dos dois, Jimmy "Left" Evans tocou baixo; Jeannie Grennie fez backing vocals; Willard "Pop" Jones tocou piano e Jimmy Ray "Luke" Paulman, tocou todas as guitarras. O produtor foi Joe Reisman.Com um disco lançado, aos poucos, o Hawks foi sofrendo mudanças em sua formação. Após Helm, outro futuro membro do The Band a entrar no grupo foi o guitarrista Robbie Robertson. Nascido no dia 5 de julho de 1943, em Toronto, Robbie era ainda menor de idade - 17 anos -, quando começou a tocar com Ronnie. E assim como Levon, Robbie já havia tido sua experiência no meio musical, integrando bandas como Robbie and the Robots, Thumper and the Trambones e Little Ceasar and the Consuls. Inicialmente assumiu o baixo e foi apadrinhado pelo então guitarrista Fred Carter Jr.

Em 1960, Ronnie Hawkins lançaria outro disco, “Mr. Dynamo”. Levon Helm começava a ganhar destaque escrevendo quatro canções - sendo uma delas sozinho: "Hay Ride", "Baby Jean" e "Southern Love" - essas três em parceria como Roonie e com Magill. Sua composição própria era "You Cheated (You Lied)", que chegou ao 12º lugar na parada dos Estados Unidos. Nesse disco Robbie Robertson já apareceria pela primeira vez como compositor. Robbie dividiu com Magill e Hawkins a autoria de "Hey Boba Lou" e "Someone Like You", embora não conste nos créditos como músico, pois ainda não havia sido nomeado um membro oficial dos Hawks. Nesse disco o baixo ainda era de Jimmy "Lefty" Evans, e Ronnie havia adicionado Fred Carter Jr. como segundo guitarrista.

No final de 1960, entraria o terceiro futuro membro da The Band, Rick Danko. Nascido em 28 de dezembro de 1943, em Simcoe, Rick tocava em grupos locais desde os 12 anos e havia ficando maluco com a energia do grupo após assistir uma apresentação. Rapidamente assumiria a guitarra-rítimica e depois o baixo. Em 1961 é a vez de Richard Manuel entrar no grupo. Nascido em 3 de abril de 1943, em Stratford, Manuel também havia tocado em uma banda local em sua cidade, os barulhentos Rockin' Revols. Richard era um vocalista de origem, mas se descrevia como um "pianista rítmico", capaz de nada muito complicado, mas bom o suficiente para arranjar um espaço nos Hawks.E, finalmente, entrou o último membro que faltava do The Band. E o mais velho de todos. Garth Hudson era um músico de grande habilidade e que entrou para o grupo com 24 anos (nasceu em 2 de agosto de 1937, em London, Canadá. Apesar de ser um grande pianista, Hudson era também hábil com instrumentos de sopros, como o sax tenor e exercia o papel de líder no grupo Paul London and the Kapers e haviam gravado alguns compactos em 45 rotações em Detroit, pelo selo Checkmate. Quando Levon Helm tratou rapidamente de pedir sua contratação pela sua versatilidade: "ninguém tocava piano e instrumentos de sopros como Garth. Quando Ronnie finalmente o trouxe para junto de nós, começamos, de fato, a soar como um grupo profissional.”

Mas a única maneira de manter Garth na banda era o contratando e pagando por isso, já que sua família não aprovava que Garth vivesse com uma banda de rock and roll. A saída foi contratá-lo como professor de música para seu grupo e membro dos Hawks. Ronnie já atravessava um período de baixa em sua carreira, apelando de todas as maneiras para conseguir algum sucesso. De 1959 a 1963 lançou alguns álbuns e compactos, sempre com Helm na bateria, até todos eles serem demitidos por Ronnie em 1964.No mesmo ano, eles começam a tocar com o nome de Levon Helm Sextets e conseguiram mais dinheiro do que haviam tido com Ronnie. Além dos cinco integrantes do Band, constavam o cantor Bruce Bruno e o saxofonista Jerry Penfound. Em seguida eram Levon and the Hawks e estavam tocando pelo Missouri, Arkansas, Oklahoma e Texas, nas fraternidades locais, festas de escolas, além de vários shows pelo Canadá.

Nesse período gravaram o compacto; "Leave Me Alone" e "uh-Uh-Uh" para o selo Ware, de Nova York, em 1964, com o nome de Canadian Squires. Em 1965 gravaram "The Stones I Throw" e "He Don't Love You (And He'll Break Your Heart)", para a Atco, em 1965 e os lançaram como Levon and the Hawks. Nesses discos, tanto Bruce como Jerry já estavam fora do grupo.As quatro canções marcavam algumas inovações: todas eram escritas por Robbie Robertson, que começava a mostrar um grande talento como compositor e o som estava se aproximando da música negra. Robbie conta que estava muito influenciado pelos Staple Singers: "quando escrevi "The Stones I Throw' eu estava tremendamente influenciado pelos Staples Singers. Eu considero Pops Staples um dos melhores cantores que já existiram. Ele parece um trem quando canta e tem uma qualidade única, de poder sussurrar, que me deixava maluco. Era uma canção fora do nosso contexto quando a gravamos e só fazia sentindo quando eu falava no grupo que havia me inspirado.”

A virada na carreira

Em 1965, no entanto, o grupo recebeu um convite que iria mudar radicalmente sua vida: através de uma secretária de Toronto chamada Mary Martin, que trabalhava para o empresário Albert Grossman, eles foram sugeridos para acompanhar Bob Dylan em sua entrada no rock elétrico, quando esse deixou suas composições mais folks e abraçou a guitarra elétrica. Mas Dylan não chamou todos os membros do Hawks para tocar com ele, de início. Primeiro, convidou Robbie Robertson para dois shows: um em Forest Hills, em Nova York e depois em Los Angeles, no Hollywood Bowl. Robbie confessa que não gostou nem um pouco do som que o baterista de Dylan tirava e sugeriu o nome de Levon. Dylan aceitou a sugestão e junto com o pianista Al Kooper e o baixista Harvey Brooks fizeram as duas primeiras apresentações de Dylan em formato elétrico depois da famosa e lendária vaia que tomou no Newport Folk Festival, quando tocou acompanhado de Al Kooper e da Paul Butterfield Blues Band.

Dylan gostou tanto de Robbie e de Levon que os convidou para integrar sua banda que faria vários shows pela América e pela Europa. Os dois argumentaram que isso seria impossível sem os demais integrantes do Hawks. A saída foi realizar alguns ensaios em setembro de 1965, em Toronto, para em seguida, saírem pelo mundo.Os Hawks acabaram se mudando para Nova York, local de residência de Bob Dylan e tiveram um começo difícil, já que Dylan, em suas apresentações, era sistematicamente vaiado por seus antigos fãs, que o acusavam de ter se vendido e abandonado o purismo folk para fazer sucesso. E as vaias eram tão intensas, que Levon Helm, após alguns shows, não suportou mais a tensão e desistiu. "Levon dizia que não queria mais aquilo, que não conseguia mais sentir prazer. Eu disse que ainda descobriríamos nosso som próprio, mas que isso levaria algum tempo, e que, enquanto isso, iríamos tocando e ganhando dinheiro", disse Robbie, que não convenceu, no entanto, seu colega a voltar ao grupo.

Após a excursão, Dylan resolveu se refugiar na cidade de Woodstock para começar a trabalhar em um documentário da viagem à Europa. Rick Danko e Richard Manuel começaram a viajar regularmente à cidade para auxiliar no documentário. E durante essas viagens, Danko achou uma casa estranha, que ficava em um lugar silencioso. A casa era conhecida como Big Pink e acabaria sendo o lar do grupo e, até de Dylan, por um bom tempo. Richard Manuel, Rick Danko e Garth Hudson mudaram-se imediatamente, enquanto Robbie mudou-se para a vizinhança. O local era como a realização de um sonho: ampla, longe da mídia e do público, com muito espaço para ensaios.Ali, Dylan e os quatro músicos remanescentes do Hawks trabalhavam febrilmente, compondo, ensaiando e gravando no porão da casa em um gravador de dois canais. Anos depois, essas gravações, de 1967, sairiam em forma de um antológico disco duplo, em 1975: The Basement Tapes.

A convivência com Dylan faria a banda melhorar em vários aspectos, principalmente nas letras. Robbie conta que no começo não dava muita importância para o aspecto poético de suas canções. "Mas eu tinhas minhas influências - rock and roll, country e blues e era tremendamente influenciado por cantores como Curtis Mayfield e tocava as músicas deles para Bob e dizia 'ouça a voz, o clima, é isso que devemos fazer'. Todo aquele período foi extremamente rico para nós. Ficávamos horas e horas falando de nossas influências."Aos poucos, o som do grupo ia mudando, deixando o rock mais cru dos tempos com Ronnie Hawkins e tornando-se mais elaborado.

"Enquanto eu toquei com Ronnie e com Dylan, eu tocava guitarra de maneira bem alta, raivosa e quando comecei com Ronnie não havia ninguém que soasse assim. Havia apenas Roy Buchanan e eu. Eu era um soldado da guitarra. Quando eu comecei a tocar guitarra era como uma vingança, tocava com raiva. Eu treinava diariamente, cada vez mais e mais e ninguém nesse mundo treinou mais do que eu treinei naqueles dias. Eu era jovem e com a atitude correta. Minha guitarra soava como uma ejaculação precoce. Aos 20 e poucos anos eu tocava com Dylan centenas de vezes os mesmos solos e queria morrer por causa disso. Por isso, quando resolvemos encontrar nosso som, eu queria algo completamente novo. Então pensei que quando começássemos o nosso disco, não iria fazer nenhum solo de guitarra no disco inteiro. Iria tocar apenas riffs. Também queria encontrar um som único para a bateria, um som especial para o piano. Eu não queria vocais gritados, queria vozes sensíveis em que você pudesse ouvir a respiração e elas entrando. E esse tipo de vocalização demora a ser encontrando. Eu ouvia nos discos da época uma voz anulando a outra e queria que cada uma entrasse devagar, que provocasse uma reação como os Staples Singers. Mas, por causa do fato de sermos todos homens, isso teria um efeito diferente. Todas essas idéias vinham à minha mente.”

E para montar todo esse quebra-cabeça, onde ninguém dentro do grupo era mais importante do que o outro, faltava um componente essencial: Levon Helm.O grupo - já rebatizado como The Band - já tinha algumas sessões em estúdios agendadas através de Albert Grossman. Então, Danko ligou para Levon chamando-o para integrar novamente a Band. "Disse a ele que havia algumas centenas de milhares de dólares nos esperando e perguntei se ele não queria compartilhar todo esse dinheiro conosco. Ele respondeu que estaria no próximo vôo", lembra Danko.Mas antes de Levon voltar à The Band, o grupo tinha marcado uma sessão a fim de gravarem duas canções, que foram produzidas por Grossman. As sessões foram um fracasso e Robbie concluiu que eles não soavam nada com aquilo que ele imaginara.Com o grupo insatifeito com a produção de Grossman, resolveram procurar um outro produtor e foram atrás de John Simon. Simon lembra que a primeira vez que viu (e ouviu) a The Band estava ocupado trabalhando com Peter Yarrow (do trio folk Peter, Paul & Mary) fazendo uma trilha sonora de um filme chamado You Are What You Eat, na casa de Howard Alk. "Começamos a ouvir um som das ruas e quando abrimos a janela vi quatro caras vestidos com aquelas roupas totalmente estranhas, com instrumentos malucos cantando parabéns, pois era aniversário de Howard." Após alguns encontros, já com Levon, resolveram trabalhar.

Assim, no dia 10 de janeiro de 1968, todos foram para Nova York para os estúdios da A&R e gravaram algumas músicas: "Tears of Rage", "Chest Fever", "We Can Talk", "This Wheel's On Fire" e "The Weight".Simon disse que o estúdio tinha uma acústica maravilhosa e que gravaram em quatro canais: dois deles para gravações dos instrumentos "ao vivo" - incluindo vocais - outro canal para os metais e o quarto para voz e percussão.Robbie estava particularmente interessado em encontrar um som para a bateria e, entre outras coisas, sugeriu colocar um pedal de wah-wah na pele da bateria para dar um som poderoso, como de um trovão. A idéia acabou gerando o que tanto Robbie desejava - um som único, particular e que seria uma das marcas da The Band.Enquanto gravavam, Grossman resolveu arranjar um melhor contrato para os rapazes e sugeriu que eles se mudassem para a Capitol Records e voassem para Los Angeles. Grossman afirmou que em Los Angeles eles teriam um estúdio melhor, de oito canais e que o clima de Los Angeles, em janeiro, era mais ameno do que de Nova York. Após aceitarem o argumento, pegaram as cinco canções gravadas em Nova York nos estúdios da A&M e voaram para a Califórnia.

As sessões correram da melhor maneira possível e a Band conseguia finalmente encontrar o som que tanto sonhavam. O grupo resolveu inovar desde o início. Foi idéia de Robbie abrir o disco com a lenta e triste "Tears of Rage", composta por Richard Manuel e Bob Dylan e cantada pelo primeiro. Nunca um grupo de rock havia colocado uma música lenta na abertura do disco. A idéia de Robbie era fazer o grupo soar de maneira tão original desde a primeira faixa. A segunda canção seria "To Kingdon Come", uma das raríssimas vezes em que o guitarrista assumiu os vocais."Eu estava influenciado ao mesmo tempo por Luís Buñuel (diretor de filmes espanhol), Akira Kurosawa (diretor japonês) e por John Ford. Eu estava sedento por cultura pois não ia à escola desde meus 16 anos e comecei a ler e ver esses tipos de filmes. Acabei me aprofundando dentro dos mitos europeus, nórdicos, etc.."Mas, entre tantas canções, uma delas se destacou e virou um marco na vida do grupo: "The Weight". Inspirada no diretor espanhol, Robbie conta um pouco sobre como a escreveu: "Buñuel escreveu muito sobre a impossibilidade da santidade, sobre pessoas tentando serem boas. A canção veio daí. Pessoas como ele podem fazer um filme falando dessas conotações religiosas, mas sem passar uma imagem religiosa. Nos filmes dele, há muitas pessoas tentando ser boas e descobrindo que é impossível ser bom.”

"'The Weight' começa com alguém dizendo 'você pode me fazer um favor e dizer alô a uma pessoa? Oh, você está indo para Nazaré, a terra da fábrica das guitarras Martin? Então me faça esse favor quando estiver lá' e o cara vai e uma coisa acaba levando a outra coisa até que ele percebe que não sabe mais o que está acontecendo e que precisa dar um oi para alguém que ele não conhece. Isso é bem Buñuel. Quando eu escrevi a canção quis criar algo como um mito da América. A Nazareth que pensei, era a cidade da Pennsylvania e não Nazareth de onde veio Jesus Cristo. Eu nem sei porque deram esse nome à cidade, mas tentei criar uma história em torno disto."Levon Helm disse que a canção possui alguns do personagens favoritos de todo o grupo: Luke é Jimmy Ray Paulman, dos Hawks; Young Anna Lee é Anna Lee Williams do Turkey Scratch e Crazy Chester é um cara que vinha de Fayetteville todos os sábados vestindo um daqueles cintos em que você coloca espingardas na cintura."Para fechar o disco, escolheram uma composição até então inédita de Bob Dylan, "I Shall Be Released", com um belo tratamento vocal de Manuel, Danko e Helm.

Quando foi lançado em 1968, “Music from Big Pink” não alcançou o sucesso esperado. Primeiro, porque o nome do grupo confundia as pessoas. Depois porque eles teimavam em usar nas fotos do álbum roupas soturnas e conservadoras demais para o padrão da época. Para contrastar, a capa do disco era um desenho feito por Bob Dylan. As fotos, que acabaram sendo uma marca registrada do grupo, foram tiradas pelo desconhecido fotógrafo Elliott Landy, que foi escolhido da maneira mais inusitada possível: "eu perguntei quem era o pior fotógrafo de toda Nova York porque queria essa pessoa para nos retratar. Ninguém soube me dar um nome, mas me disseram que havia esse tal de Elliot que trabalhava para uma revista furreca chamada RAT, disparada a pior de todas. Acabamos chamando-o e ele fez um trabalho incrível", afirmou Robbie.Para aumentar o estranhamento, na contra-capa do disco aparece a famosa casa rosa. O disco teve uma carreira modesta nas paradas de sucesso, alcançando apenas a 30ª posição nas paradas e isso porque George Harrison e Eric Clapton se derramarram em elogios ao trabalho. Clapton disse que era seu disco favorito e um dos mais importantes de todos os tempos. Ainda assim, "The Weight" foi apenas o número 63 nas paradas na América e 21 no Reino Unido.

Em agosto de 2000, o disco foi relançado em uma versão remasterizada, com nove faixas a mais incluindo outtakes da primeira gravação com Grossman, como é o caso de "Ferdinand The Imposter", que foi incluída mais pelo valor histórico do que musical.Ironicamente, "The Weight" faria mais sucesso nas vozes de Jackie DeShannon e na de Aretha Franklin (incluindo uma canja de Duane Allman na guitarra), ambas gravadas em 1969 e inferior à original. Isso, contudo, serviu para popularizar ainda mais o disco, tido como um dos grandes lançamentos da história do rock e peça obrigatória para quem quer conhecer a história da música.

Em 1969 a banda apresentava seu novo disco, chamado simplesmente “The Band”, recheado de belíssimas canções, como “Up On Cripple Creek”; “Rag Mama Rag”; “When You Awake” e “The Night They Drove Old Dixie Down”, entre outras. A seguir, em 1970, viria “Stage Fright”, terceiro rebento do quinteto. Talvez o disco mais pessoal da banda, focado em seus demônios internos e na angústia diante do sucesso obtido.

Seguiram-se os álbuns “Cahoots” (1971); “Rock of Ages” (1972), um show memorável em Nova York, o qual, ao final, sem nenhum anúncio ou publicidade, contou com a participação-surpresa do legendário Bob Dylan; “Moondog Matinee” (1973); “Northern Lights – Southern Cross” (1975) e “Islands” (1977).
Em novembro de 1976, a banda reuniu seus amigos para celebrar seu concerto de despedida, no Winterland Ballroom em San Francisco. “The Last Waltz” seria o show de "adeus" da banda, após de 16 anos fazendo turnês. The Band teve a compania de mais de uma dúzia de convidados especiais, incluindo Eric Clapton, Neil Diamond, Bob Dylan, Joni Mitchell, Van Morrison, Ringo Starr, Muddy Waters e Neil Young.
O evento foi filmado pelo cineasta Martin Scorsese e transformado em um documentário, lançado em 1978. O filme destaca performaces do show, cenas gravadas em estúdio e estrevistas com os membros da banda.

O Fim
The Band acabou se tornando uma instituição da música norte-americana e em 1986 os fãs foram devastados pela notícia do suicídio de Richard Manuel, que no dia 4 de março se enforcou em um quarto de motel em Winter Park, na Flórida, numa excursão que marcava a volta da formação original. A Band, ou o que restou dela, seguiu tocando até os anos 90, com vários músicos convidados, sem Manuel e Robertson, que recusou-se a participar do projeto de continuidade, dizendo-se fiel aos ideais do Last Waltz.

Discografia

1964-1965:

Uh-Uh-Uh / Leave Me Alone (compactos de 1964, como The Canadian Squires)

The Stones I Throw / He Don't Love You (compactos de 1965, como Levon and the Hawks)

Go Go Liza Jane / He Don't Love You (relançamentos em 1968, como Levon and the Hawks)

1968-1978:

Music From Big Pink (1968)

The Band (1969)

Stage Fright (1970)

Cahoots (1971)

Rock of Ages (live, 1972)

Moondog Matinee (1973)

Northern Lights - Southern Cross (1975)

Islands (1977)

The Last Waltz (ao vivo/estúdio, 1978)

1993-1998:

Jericho (1993)

High On The Hog (1996)

Jubilation (1998)

Álbuns com Bob Dylan:

Planet Waves (1974)

Before the Flood (1974)

The Basement Tapes (1975)

Fonte principal: Mofo http://www.beatrix.pro.br/mofo/

Fã numero 1

2008-07-15T09:39:00.014-03:00

Todo grande ídolo tem sua legião de fãs e com Bob Dylan não seria diferente. A maioria nutre pelo artista uma admiração silenciosa, mas alguns extrapolam esta condição e fazem do ídolo uma verdadeira obsessão. É o caso, p. ex., do maluco A. J. Weberman, sobre quem já falamos aqui neste blog, que nos anos 70 atormentou a vida do Dylan, tornando-se um verdadeiro estorvo para ele e sua família, quando se mudaram para Nova York.

Outro que pode ser considerado um ardoroso fã do Bob, por sorte não é um psicopata que vive azucrinando a vida de seu astro favorito, é Joel Gilbert, que fundou uma banda tributo ao ídolo, denominada Highway 61 Revisited, que segundo ele próprio é a única banda no planeta criada em homenagem a Bob Dylan. Gilbert é também cineasta e montou uma empresa chamada Highway 61 Entertainment Production que já produziu alguns filmes abordando a vida do mestre, disponíveis em DVD.

Joel é um sujeito baixinho e um tanto quanto franzino. Tudo bem que de bobo ele não tem nada e capricha bastante no visual para ficar com uma estampa parecida com o Bob. O cara por sua vez também extrapola a relação fã-ídolo e no caso dele, faz disso uma profissão. Nessa brincadeira de sair pelos EUA, em turnê com sua banda tributo, imitando o Dylan e se apresentando em bares e casas de shows e ainda, principalmente, produzindo e dirigindo os DVDs, o homem arrecada uns bons trocados.

Os filmes são bacanas, bem produzidos e trazem algumas histórias e recordações de pessoas que fizeram parte da trajetória do Bob, ao longo de todos estes anos. Embora sejam todos eles “não autorizados” pelo ídolo e portanto sem dispor de material original do artista, não são apenas produtos caça-níqueis, feitos apenas para engordar a conta bancária do seu autor, ainda que também sirvam a esse propósito.

“1966 World Tour – The Home Movies (Through the Câmera of Dylan´s Drummer Mickey Jones)”, de 2003 é uma viagem àquela celebrada turnê de 1966, através dos filmes caseiros do bateirista Jones. O DVD traz algumas entrevistas com Johnny Rivers e Trini Lopez, com quem Jones havia trabalhado e algumas boas imagens daquela turnê do Dylan, pela Europa e Austrália.

“Bob Dylan World Tours 1966-1974 (Through the Câmera of Barry Feinstein)”, de 2005, é outra viagem pelas lendárias turnês de Dylan e The Band, sendo que desta vez, através de fotos e depoimentos do fotógrafo Bary Feinstein, que acompanhou a trupe naquelas ocasiões. Gilbert visitou Woodstock, investigando a vida reclusa do Bob antes do retorno deste à estrada, fazendo inclusive uma parada na famosíssima Big Pink, de onde saíram as não menos famosas “basement tapes”. Gilbert ainda realiza algumas boas entrevistas com o lunático A. J. Webermann e também com o cineasta D. A. Pennebaker, o jornalista Al Aronowitz e o baterista Mickey Jones, que na turnê de 1966, substitui Levon Helm e tocou com a The Band, acompanhando Dylan. Este título tem edição nacional de boa qualidade e é facilmente encontrado em boas lojas do ramo.

O terceiro e último DVD tributo do Joel Gilbert é o melhor deles: “Rolling Thunder and The Gospel Years – Bob Dylan 1975-1981” conta com participações de Scarlet Rivera; Bruce Langhorne; Ramblin´ Jack Elliot e Rob Stoner, traz ainda ótimas entrevistas com os músicos e também com Jacques Levy e Rubin Hurricane Carter.

Pra não ficar só nos DVDs da Highway 61 Entertainment, vamos recomendar um outro, recentemente lançado no Brasil pela gravadora Coqueiro Verde, mais um a abordar os chamados “gospel years” do Bob. Trata-se de “Gotta Serve Somebody – The Gospel Songs of Bob Dylan”. Este documentário foi feito a partir de imagens captadas durante o “making off” do disco “Gotta Serve Somebody”, álbum indicado ao Grammy, que reuniu grandes astros do mundo gospel, interpretando músicas da fase cristã do Dylan. O DVD tem a participação de Aaron Neville; The Fairfield Four; Rance Allen, entre outros, além do próprio Dylan, cantando “When He Returns”, em 1980.

The Other Side Of The Mirror

2008-05-22T20:02:00.008-03:00

Cada época tem seus heróis. Cada necessidade tem uma solução e uma resposta. Algumas pessoas, a imprensa, as revistas, crêem as vezes que os heróis que os joves escolhem, ensinam o caminho a seguir. Eu penso que isto acontece porque existe uma necessidade. Este jovem homem surgiu de uma necessidade. Chegou aqui e se converteu no que é, porque havia coisas a dizer e a juventude queria expressá-las e queria dizê-las à sua própria maneira. Ele escutou, de alguma forma, a sua própria geração. Não necessito apresentá-lo, vocês o conhecem, ele é de vocês, Bob Dylan!

Com essas palavras, Bob Dylan foi apresentado numa das edições do Newport Folk Festival e é com elas que se inicia o belíssimo DVD “The Other Side of The Mirror - Bob Dylan Live At The Newport Folk Festival 1963-1965” do diretor Murray Lerner. O documentário traz o registro na íntegra das três apresentações do bardo naquele festival, realizadas nos anos de 1963, 1964 e 1965.

O DVD é simplesmente fantástico. Em minha opinião, o melhor registro em se tratando de Bob Dylan. Nele é possível acompanhar de perto a evolução do músico e principalmente sua transformação de cantador folk para o Dylan elétrico. Algo que se observa de maneira incontestável é o amadurecimento do artista e também como ele adquire extrema auto-confiança com o passar dos anos, conseguindo fazer com que sua simples presença envolva a todos com intenso magnetismo.

Lerner optou por uma apresentação crua dos registros que tinha em mãos. Nada de narração, entrevistas e etc. Pura e simplesmente as performances do músico nas três edições que participou e marcou para sempre a história do Festival. Dylan, que foi a maior estrela do evento, foi também seu algoz e carrasco ao derivar para a ruptura com os elementos tradicionais do folk, trocando os instrumentos acústicos com os quais normalmente se apresentava, por guitarras elétricas e muito barulho, causando enorme tumulto em 1965, ao subir ao palco ladeado por sua banda de rock, da melhor qualidade, diga-se de passagem, com destaque para o exímio guitarrista de blues, Mike Bloomfield.

O filme se divide em 3 partes, uma para cada edição do Festival. Os anos de 1963 e 1964 ajudaram a fazer de Bob Dylan o grande nome da música folk norte-americana, chamado por muitos de “a voz de sua geração”. Já a conturbada edição de 1965 flagra o exato momento da ruptura do Dylan com os tradicionalistas, o momento da transgressão. Só este registro já valeria o disco, mas além disto, o DVD oferece uma série de imagens de Dylan em algumas das mais marcantes atuações de seu início de carreira e um livreto de 20 páginas com ótimas fotos e uma breve histórico daquelas performances.

As diversas facetas do Dylan

2008-05-22T14:36:00.017-03:00

AS FACETAS DE BOB DYLAN (PT. 1)
O DISCÍPULO DE WOODY (1959-1964)

Discografia: Bob Dylan (61), The Freewheelin´ Bob Dylan (62), The Times They Are A-Changin´ (64), Another Side of Bob Dylan (64)

A América era risonha e franca, quase pura, quando o menino Robert Allen Zimmerman inventou o trovador Bob Dylan. Havia subúrbios estalando de novos em torno das cidades, uma TV em cada casa e dois carros em cada garagem, um supermercado - essa incrível e recente invenção do conforto urbano! - em cada esquina e muitos bambolês em todos os armários. Em breve haveria um homem no espaço e um jovem presidente na Casa Branca, falando em justiça social e igualdade racial e namorando Marilyn Monroe escondido - John Kennedy, é claro -, e uma vaga euforia pairava no ar. É certo que existiam coisas como a ameaça nuclear, esta estranha novidade que parecia, a princípio, uma bênção, e agora ninguém estava tão certo assim; e o muro de Berlim e a Guerra Fria, e a CIA tramando sem parar a derrubada de Fidel Castro. Mas dentro das fronteiras da América, uma prosperidade inédita, confortável e segura embalava sonhos de transformação, acordava espíritos aventureiros.

Robert Allen, filho dos donos de uma próspera loja de móveis e ferragens em Hibbing, Minnesota, achou que era um deles. O seu futuro provável - herdar a loja dos pais, como mandava a boa tradição familiar judia - parecia tedioso. Mais interessante era o futuro provável de um moderno trovador urbano, alguém que continuasse na nova década e na nova cidade a linhagem dos vagabundos poetas dos anos 30. Leadbelly, Woody Guthrie, Blind Lemon Jefferson, esses que ele ouvia em discos surrupiados às lojas dos negros, esses que ele ouvia em obscuros programas da madrugada, e em visitas secretas aos guetos.Em 1959, Robert Allen saiu de casa com as bênçãos dos pais para estudar na Universidade de Minnesota. Chegou lá com o nome de Bob Dylan e um outro passado - era um vagabundo, descendente de índios Sioux, sua família vinha do Oklahoma. Instantaneamente, ele havia redesenhado seu futuro.

Não ficou na universidade por muito tempo: um ano depois, já estava em Nova York, tocando violão e gaita nos bares do Village, compondo canções descaradamente parecidas com os talking blues de Woody Guthrie, mas um tanto mais loucas, repletas de visões apocalípticas, uma agilidade política mais feroz, mais adequada aos novos tempos. O Village Voice e o New York Times acharam aquilo muito chique, muito apropriado. John Hammond, um produtor e folclorista repleto de poder na gravadora Columbia, arranjou rapidamente um contrato.

Em 1961, aos vinte anos de idade, dois anos após ter-se inventado, Bob Dylan era o novo artista mais promissor e badalado dos Estados Unidos. É preciso lembrar que não havia Beatles nem Stones nem "rock" como conhecemos hoje. Havia um imenso vácuo de desejos não realizados, uma geração em busca de sua própria voz nessa era de prosperidade e esperança. Com seus talking blues revisitados, suas baladas de amor e fúria - "Blowin´ in the Wind", "Masters of War", "Don´t Think Twice, It´s Alright" , "The Times They Are A-Changin´" -, seu canto fanhoso, seu olhar de poeta e seus cabelos de maluco, mentiroso mas sagaz - ou seja, misterioso -Bob Dylan acabara de descobrir essa voz.

AS FACETAS DE BOB DYLAN (PT. 2)
O TROVADOR ELÉTRICO

Discografia: Highway 61 Revisited (65); Bringing It All Back Home (65); Blonde ou Blonde (66); The Basement Tapes (gravado em 66/67, mas lançado apenas em 75)

Onde Dylan teria percebido a mudança? No vento, como o personagem de sua própria canção? Os tempos estavam acelerados, pesados. Não apenas formalmente, com a chegada triunfal do imprevisível - uma onda de bandas inglesas que estavam relendo, com grande sucesso, a mesma ancestral tradição popular americana sobre a qual ele mesmo se debruçava - mas em cada um desses monumentais percalços históricos que parecem se acumular, caprichosamente, sobre cada dia dos anos 60: o assassinato de Kennedy, o assassinato de Martin Luther King, a Guerra do Vietnã, a Guerra dos Seis Dias no Oriente Médio, a pílula, o ácido lisérgico, a minissaia, a pop art, Andy Warhol. O que um pobre garoto poderia fazer?

Em julho de 1965, a platéia do festival de Newport obteve a resposta. Dylan subiu ao palco com uma guitarra elétrica ao pescoço e, acompanhado por uma banda canadense - The Hawks, mais tarde rebatizada The Band, simplesmente -, atacou não as baladas folk que haviam feito sua glória, mas pesadas diatribes impulsionadas a eletricidade e fúria. A voz fanhosa rasgada num grunhido, num rosnar - "How does it feeeel? To be on your oooown..." ele rugia numa canção inédita, "Like a Rolling Stone". Os tempos, e Dylan, haviam definitivamente mudado.

Num veloz curto-circuito típico da era, a fusão folk rock que Dylan pegara no ar, inspirado por Beatles e Stones, voltava a Beatles e Stones e inspirava, por sua vez, Rubber Soul e Between the Buttons. O documentário Don´t Look Back, de D.A. Pennebaker, captura o flagrante deste novo personagem, o Dylan popstar: arrogante, egoísta, defensivo, trincado, partindo o coração da namorada Joan Baez (que ele trocaria pela futura mulher Sarah Lowndes em 66), agredindo e humilhando a imprensa. O álbum duplo Blonde on Blonde captura o outro lado - a musa elétrica de Dylan em sua melhor fase, cuspindo metáforas e visões sobre o ricochetear funky da Band e convidados.

Em julho de 66, dias depois de seu 25.º aniversário, um acidente de moto interrompe a até então irresistível decolagem de Dylan desde o dia em que saiu de casa, em 59. Aparentemente esbofeteado pelo destino, Dylan pára, some, recolhe-se a sua casa de Woodstock. Durante dois anos, boatos de todo tipo atravessam o novo clube do qual ele era sócio-fundador e presidente de honra: a novíssima elite rock. Dylan estaria desfigurado, ou drogado, ou louco, ou morto. Nada disso: trancado em Woodstock com a Band, Dylan estava se divertindo numa grande, longa festa íntima, como revelariam, anos depois, os Basement Tapes.

AS FACETAS DE BOB DYLAN (PT. 3)
O CAIPIRA ESCLARECIDO

Discografia: John Wesley Harding (68); Nashville Skyline (69); Self Portrait (70); New Morning (70); Pat Garrett and Billy the Kid (73); Planet Waves (74)

O Dylan que emerge do retiro em Woodstock é, mais uma vez, uma síntese de sua geração - na virada dos trinta anos, casado e pai de família, violentamente confrontado com sua própria mortalidade, ele desacelera, medita, reavalia suas opções. Quando o sereno, semicountry John Wesley Harding é lançado, em 68, parece que Dylan encontrou, enfim, maturidade e serenidade, e está dando um passo adiante num ano ruidoso e explosivo, ano de revolução cultural na China, tumulto estudantil em Paris. Na verdade, Dylan estava apenas ganhando tempo, confessando sua perplexidade diante da quantidade de certezas destruídas que os últimos meses haviam acumulado em sua vida - exatamente como seu público faria durante a nova década, diante de coisas tão desconcertantes quanto a escalada da Guerra do Vietnã, Watergate, drogas pesadas e discoteca.

Sua primeira reação é voltar atrás, recuperar o fôlego - uma fórmula que, crise após crise, se mostra certeira no pop. John Wesley Harding e Nashville Skyline são discos marcados pela country music, pelo abraçar sem reservas da simplicidade, da rusticidade até. A voz está mais grave, mais doce, a lira está serena: o caipira esclarecido canta a vida e o amor sem pedir desculpas, e flerta com a possibilidade - que depois explorará quase até o delírio - da experiência religiosa como provedora de peso e significado.

Os outros discos são irregulares - embora a trilha de Pat Garrett oculte um clássico, "Knockin´ on Heaven´s Door" -, Dylan não se apresenta mais ao vivo, brinca de fazer cinema (em Pat Garrett). Sua vida parece ecoar suas canções: "Êi, baby, este será o fim?", ele tinha perguntado, uma vez. Não: novamente, era apenas o início.

AS FACETAS DE BOB DYLAN (PT. 4)
O TROVADOR ELÉTRICO REVISITADO
Discografia: Before the Flood (74); Blood on the Tracks (74); Desire (75); Hard Rain (76); Street Legal (78)

Com uma fúria inigualada desde os tempos do festival de Newport, Dylan e a Band partiram para a estrada em 73. O resultado está captado admirávelmente em Before the Flood, um dos melhores álbuns ao vivo de todos os tempos. Como um grande balanço de sua vida e de sua obra, Dylan revê seu próprio repertório com vigor e espírito crítico, reinterpretando espetacularmente seus próprios cavalos-de-batalha e, assim, construindo a transição entre a sua geração - que se embalava confortavelmente nas diluições mornas do rock pomposo dos 70 - e a geração seguinte - que sonhava a imensa ruptura punk, ainda por vir.

Como que impulsionado pela energia nervosa dessa tour, Dylan atravessa os últimos anos 70 a bordo de uma espécie de nuvem magnética. Sem a Band, acompanhado por músicos diversos, quase semi-amadores, ele compõe longas e sinistras canções de amor, abandono e desejo, cada vez mais crípticas e cabalísticas, ocasionalmente comentando algum assunto político que, por acaso, atravesse seu campo de visão. É uma produção estranhamente brilhante, essa do Dylan que vê chegar a meia-idade sem ter encontrado ainda resposta alguma - irregular mas intrigante, angulosa. Os cripto-fãs que analisam cada milímetro de suas letras - uma degeneração da dizimada cultura sixties, como os dead heads e os neo-hippies - não chegam a perceber para onde Dylan está rumando. Emocionalmente à deriva, ele, que sempre pregou a ruptura, anseia agora pela ordem no caos. Qualquer ordem serve.

AS FACETAS DE BOB DYLAN (PT. 5)
O CRENTE
Discografia: At Budokan (78); Slow Train Coming (79); Saved (80); Shot of Lore (81)

A ordem que Dylan encontra é a mais banal possível: em 1980, para espanto de fãs e não-fãs e delícia da imprensa, ele anuncia que acaba de se converter ao protestantismo fundamentalista, uma das formas mais simplistas de fé religiosa cristã que pode existir. Com um único gesto, Dylan não apenas renega todo o seu passado imediato como livre pensador secular mas também toda a sua história familiar como judeu.

A esterilidade pessoal que se esconde atrás dessa escolha aparentemente estapafúrdia revela-se nos discos deste período - os piores que Dylan conseguiu fazer em toda a sua carreira. Não existe mais o poeta alucinado, o trovador arrogante, o crítico inclemente, apenas um homem sozinho e infeliz, implorando a misericórdia de Deus por pecados reais ou presumidos - o pior deles, sem dúvida, o de ter renegado o próprio talento.

AS FACETAS DE BOB DYLAN (PT. 6)
O QUE VOLTOU DOS MORTOS

Discografia: Infidels (83); Empire Burlesque (85); Knocked out loaded (87); Oh Mercy (89)

Na capa de Infidels, Bob Dylan, ritual Yarmulk na cabeça, ajoelha-se no solo de Israel. Na primeira faixa do disco, o quase-reggae "Jokerman", sua voz madura, apaziguada, discorre lucidamente sobre as incontáveis armadilhas de um mundo tornado mais complexo, e mais cruel, pela mesma tecnologia que deveria simplificá-lo e salvá-lo. Na virada dos quarenta anos, na entrada de uma década que se revelaria uma estranha mistura de gozo e paradoxo - Aids e Reagan e MTV e computadores e satélites e mídia global dançando alucinadamente -, Dylan parece ter achado o olho do furacão. Robert Allen Zimmerman reconciliou-se afinal com sua criatura: ele, agora, pode ser o menino judeu de Hibbing, o bardo de Greenwich Village e o popstar recluso de Malibu numa única pessoa.

Os discos se deixam espaçar, calmamente. Dylan compõe como quem volta a andar depois de uma longa enfermidade debilitante, com cuidado. Uma turnê com Tom Petty, discípulo tornado comparsa, constrói vínculos com mais uma geração. Uma aliança com o produtor Daniel Lanois, que vem de outra formação e outra experiência, abre portas insuspeitadas em sonoridade e idéias: Oh Mercy é um triunfo. Quantas mortes e quantas vidas Bob Dylan ainda vai inventar?

(textos de Ana Maria Bahiana, e publicados originalmente na Revista Bizz de janeiro de 1990, gentilmente cedidos pela autora)

Bob Dylan clandestino

2008-05-22T13:01:00.019-03:00

A incrível história do "álbum perdido" de Dylan, as lendas em torno dele e como The Great White Wonder inventou o mercado de discos piratas

Reportagem por Alexandre Matias (originalmente publicada na Revista Bizz e no site Trabalho Sujo)

"Consideramos o lançamento deste disco um abuso da integridade de um grande artista. Ao publicar material sem o conhecimento ou a aprovação de Bob Dylan ou da Columbia Records, os vendedores deste disco estão privando grosseiramente um grande artista da oportunidade de aperfeiçoar sua performance até onde ele crê em sua integridade e validade. Eles difamam o artista e fraudam seus admiradores ao mesmo tempo. Por estas razões, a Columbia, em conjunto com os advogados de Bob Dylan, seguirá todos os procedimentos legais para interromper a distribuição e a venda deste álbum."

Tarde demais. A nota divulgada pela gravadora de Dylan em setembro de 1969 sobre a existência de um disco chamado The Great White Wonder veio registrar, nos autos da própria indústria fonográfica, a existência de um registro sonoro inédito que começava a ganhar dimensões improváveis para o que deveria ser uma mera produção caseira. Vendido na casa dos milhares, o vinil duplo trazia dois momentos distintos de Dylan (doze canções gravadas em um hotel em 1961 e outras nove faixas de baixa qualidade acompanhado da mesma banda com quem excursionava, em 1967) e surgia imponente como aquilo que o editor da Rolling Stone, Jann Wenner, chamara de "o disco perdido de Bob Dylan", na capa da edição de 22 de junho de 1968. Na matéria, eram descritas treze canções que circulavam por meios alternativos, que comporiam um próximo álbum do contratado da Columbia Records. "O conceito de um disco coeso já está presente", escreveu, antes de clamar: "A fita do porão de Dylan precisa ser lançada."

"Havia uma enorme demanda por Dylan e ele não lançava nada", me explica Greil Marcus, uma das principais autoridades sobre o músico norte-americano. "Naquela época, um artista de seu porte não lançar nada por seis meses era algo improvável - que dizer do período de um ano e meio entre Blonde on Blonde (1966) e John Wesley Harding (1968). Neste sentido, os piratas preencheram a lacuna. Como aconteceu, haviam tantos lançamentos - sobras de estúdio, shows, músicas que nunca foram lançadas etc. - que constituem toda uma carreira à sombra - que Robert Polio recentemente construiu no livro Tin House".

Em menos de um ano, The Great White Wonder veio à tona; as primeiras cópias eram vendidas em Los Angeles e logo se replicaram pelo mundo. Mais do que compartilhar com o grande público gravações que já eram conhecidas dentro da metiê fonográfico, o LP é o primeiro passo em uma história que todo fã de música pop adora: o disco pirata. Uma história em que o próprio Bob Dylan é um de seus principais protagonistas.

Like a Rolling Stone

Volte no tempo cinco anos e encontre Bob Dylan no auge de sua carreira. Mais do que se enamorar pelo rock’n’roll, o antigo garoto-prodígio da cena folk e a então voz de sua geração viu na combinação barulhenta de country e rhythm’n’blues em instrumentos elétricos uma capacidade de comunicação mais instantânea e mais ampla do que o beco sem saída das ladainhas ao violão que andava metido. O rock se tornava a nova música popular, o novo som das ruas. Ele reconhecia a reverência que a geração da Invasão Britânica fazia aos grandes nomes do rádio norte-americano dos anos 50 – não à toa, batizou um disco de Bringing it All Back Home ("Trazendo Tudo de Volta pra Casa").

"Os Beatles estavam fazendo o que mais ninguém fazia", disse Dylan em 1971 a um de seus biógrafos, Anthony Scaduto. "Os acordes eram ultrajantes e suas harmonias vocais validavam tudo. Você só pode fazer isso com outros músicos. Foi quando comecei a pensar em trabalhar com outras pessoas. Todo mundo pensava que os Beatles eram pra adolescentes, que logo iam passar. Pra mim, eles tinham chegado pra ficar. Sabia que eles apontavam o rumo que a música devia seguir."

Desde o primeiro momento em que optou pelo rock, não havia meio-termo – tanto que sua "conversão" elétrica foi em alto e bom som no Newport Folk Festival. Dylan subiu no palco no dia 24 de junho de 1964 ao lado do tecladista Al Kooper e da Blues Band de Paul Butterfield, os mesmos músicos com quem, havia pouco mais de uma semana, gravara o hino "Like a Rolling Stone". O single chegou às paradas no mesmo dia em que Dylan encerraria o evento. Ele foi chamado ao palco com entusiasmo pelo cantor Pete Seeger, um dos organizadores, o mesmo que dali a pouco tentaria cortar o cabo de eletricidade com um machado quando a banda de Dylan começou a tocar "Maggie’s Farm".

Era guerra. Chamou os canadenses dos Hawks para ser sua banda e juntos cruzaram 1965 e 1966 na famosa turnê. Na primeira metade do show, Dylan tocava sozinho seu violão; na segunda parte, vinha com a banda e presenteava o público com uma descarga musical bruta e agressiva. A resposta vinha em forma de vaias.

O choque foi intenso para a banda, formada pelo guitarrista Robbie Robertson, o pianista Richard Manuel, o baixista Rick Danko, o organista Garth Hudson e o baterista Levon Helm – tanto que este pediu as contas em novembro de 65, pois não suportava mais ser vaiado. Acostumada a tocar em pequenos pardieiros, a banda era atirada às mais reputadas salas de espetáculo do mundo, do Hollywood Bowl ao Royal Albert Hall, secundando um dos principais artistas jovens da época, e ainda por cima para ser agredida pela platéia. Que, por sua vez, pagava para vaiar.

Se a banda estava chocada, o mesmo não parecia acontecer com Dylan. Desafiava o público, os fãs, os jornalistas e quem mais se colocasse entre ele sua nova música com um humor nonsense e aparente desprezo por todos. Seus discos haviam encontrado, no público de rock que aos poucos amadurecia, uma audiência maior que o conservadorismo folk. Mas aquilo parecia ter ampliado ainda mais seu papel de "voz de uma geração". A agressividade musical parecia atrair outro tipo de agressividade. Violência gera violência. As vaias eram substituídas por xingamentos e pesadas trocas de acusação entre o cantor e a platéia, numa onda cada vez mais crescente em que a própria vida de Dylan parecia correr risco. "Olha o que eles fizeram com o Kennedy em Dallas!", assustou-se o cantor folk Phil Ochs ao assistir ao confronto no estádio de Forest Hills, em Nova York.

Essa história é registrada magistralmente em dois dos mais importantes documentários da história do rock, Don’t Look Back do diretor D.A. Pennebaker, que acompanha o braço inglês da turnê de 1965 e foi crucial para difundir o novo Dylan para todo um planeta ainda não unificado pela TV via satélite, quando foi lançado em 1967; e No Direction Home, de Martin Scorsese, lançado em 2005.

Woodstock

Precisando descansar, Dylan comprou uma casa de campo em Woodstock, assim como seu empresário Albert Grossman, pouco antes de reiniciar a turnê americana, em 1966. Impressionados com a tranqüilidade pastoral da região, próxima de Nova York, os quatro canadenses dos Hawks (só Levon era norte-americano) mudaram-se para uma enorme casa rosa em West Saugerties, próximo à casa de Bob. Montaram seus instrumentos no apertado mas confortável porão de uma horrorosa casa rosa (a "Big Pink"), onde começaram a ensaiar com freqüência, muitas vezes acompanhados por Dylan.

Até que, no dia 30 de julho de 1966, as rádios dos Estados Unidos passaram a noticiar que Bob havia sofrido um acidente de motocicleta. Ninguém sabe ao certo o que aconteceu e a gravidade do estado de Dylan após os freios de sua Tryumph 500 terem parado de funcionar perto de sua casa, quando foi acompanhar a mulher, Sara Lownds, que saía de carro, em uma volta pela região, no dia 29 de julho. Na época, falavam que ele estava entre a vida e a morte, que o acidente estava apenas encobrindo o fato de ter enlouquecido, que a CIA havia sabotado sua moto. Depois do acidente, Dylan se isolou: não recebia visitas, falava com os amigos por meio de um interfone e não saía mais de seu quarto.

Quando começou a fazê-lo, encontrou sua banda em outro plano. Sem bateria, tocavam mais devagar e mais baixo, sem perder a pegada rock. A atmosfera do porão dava uma estranha vida ao local e som ecoava por mais tempo, como uma velha transmissão de radio. O lugar combinava com o som que lembrava em sua reclusão, som de infância, entre o blues e a música folk, de artistas anônimos e trovadores atordoados. À medida em que se recuperava, voltou a tocar com a banda, que não tinha mais nome. Eram apenas "The Band".

Puseram o gravador para funcionar e em abril de 1967 começaram os históricos registros. Poucos instrumentos, tocados informalmente, entre tentativas e risadas, eram o centro dessa viagem ao passado em que nem Dylan nem a Band, podiam saber, conjurou espíritos de diferentes eras do som gravado nos EUA. Os cinco se tornavam um conjunto vocal, a princípio parodiando cantores antigos com vozes cômicas que, pouco a pouco, ganhavam um novo significado. Compunham músicas com se estivessem apenas tentando lembrar delas, numa jam session espiritual de retorno à infância de suas musicalidades. Ao comparar o som do porão ao de um laboratório, o Greil Marcus ouviu algo bem diferente de Robbie Robertson: "Não", disse o guitarrista no livro Invisible Republic. "Aquilo era uma conspiração. Era como as fitas de Watergate. Pra muitas coisas, Bob dizia ‘devíamos destruir isso!’."

Quatorze dessas faixas foram transformadas em discos de acetato por Albert Grossman. Dylan não tinha a intenção de lançar aquelas gravações, mas aproveitou para oferece-las a outros intérpretes. "Quinn the Eskimo" foi para Manfred Mann; "You Ain’t Goin’ Nowhere" para os Byrds; "This Wheel’s on Fire" caiu com Julie Driscoll, Brian Auger & the Trinity; "Too Much of Nothing" ficou com Peter, Paul & Mary. Cada artista que registrava algo daquele misterioso material dava dimensões ainda maiores às versões originais, como se elas encobrissem algum segredo.

O segredo, na verdade, eram as próprias fitas – já então apelidadas com seu nome clássico de "basement tapes" ("fitas do porão"). Dylan, aos poucos, voltava à carreira via country (o disco John Wesley Harding, gravado em Nashville, e na aparição no show em tributo a Woody Guthrie no Carniege Hall, em janeiro de 1968). Ao mesmo tempo, cópias daquele acetato circulavam entre artistas, jornalistas, fãs e empresários, revelando a música que Bob Dylan vinha fazendo quando virou as costas para o Verão do Amor. Reuniu-se com os amigos e voltou para o passado, num clima de convivência mais honesto e intenso que o sexo desesperado do amor livre, a piração ablué das drogas psicodélicas ou o ruído estridente do rock'n'roll. Eram apenas amigos fazendo música. Folk, direitos civis, psicodelia – estava cansado de pegar carona na onda dos outros.

Com as "fitas do porão", era a vez dos outros seguirem sua onda. E foi assim que os Rolling Stones saíram do abismo paz e amor onde nunca deveriam ter ido, exilados uma chácara no interior de São Paulo, no Brasil, para compor seu disco mais "raiz", Beggar’s Banquet, ouvindo as basement tapes sem parar. Nos Beatles, foi George Harrison quem deu a dica de Dylan e fez Paul McCartney bolar o conceito do disco Get Back, em que o grupo voltaria a descobrir o prazer de estar junto tocando músicas velhas – um projeto que deu errado, acelerou o fim da banda, e culminou nos disco e filme de mesmo nome, Let it Be. A música country era reavaliada e tinha sua importância ressarcida. Woodstock tornou-se o palco para o megafestival e sinônimo de todo aquele sentimento. Uma saída melancólica mas digna para a autodestrutiva psicodelia, já em rota de colisão, as basement tapes foram uma espécie de amuleto para a passagem dos anos 60 para os 70.

The Basement Tapes

Daí que em 1969 veio The Great White Wonder, dali a pouco Troubled Troubador, Waters of Oblivion e vários outros discos piratas, que ampliavam ainda mais o número de músicas do porão – das 14 originais foram para 23 em 1975, o ano em que a Columbia oficializar o disco, com todas as faixas (24! Uma única faixa desconhecida dos fãs, "Goin’ to Acapulco", indicava que ainda havia mais a se descobrir) num mesmo volume. Mas a gravadora não gostou do som das fitas e fez a Band regravar algumas partes, descaracterizando-as. Oficializado, The Basement Tapes chegou aos dez discos mais vendidos na semana de seu lançamento: "Eu pensava que todo mundo já tivesse essas músicas!", disse Dylan, surpreso.

Contudo, duas novas coletâneas piratas Blind Boy Grundy & the Hawks volumes 1 e 2 (o título vem dos nomes que Dylan e a Band usavam antes de serem conhecidos), só com faixas inéditas foram lançadas logo após o disco da Columbia, ampliando ainda as basement tapes. No livro Bootleg: The Secret History of Rock and Roll, o escritor Clinton Heylin localiza a origem deste segundo lote quando um amigo de Robbie Robertson deu uma série de fitas a uma loja no noroeste americano. Um terceiro lote de fitas seria encontrado e todas as gravações conhecidas das basement tapes seriam compiladas numa caixa de cinco CDs de 1990 – que melhoraram edição após edição até chegar ao box A Tree With Roots, de 2001.

A quantidade de artigos da pirataria Dylan o torna o artista mais lançado extra-oficialmente do mundo – até mais que os Beatles, pois eles terminaram em 1970. Só a existência de Jewels and Binoculars, uma única caixa com 26 CDs dedicadas a seus shows em um ano (1966, da gravadora Vigotone) já deveria servir como prova disso. Ele também contribui, produzindo mais do que pode lançar, trocando versões matadoras por faixas fracas em cima da hora, refazendo discos sem pestanejar. Tanto que começou a desovar este material em coletâneas oficias, como na Biography, em que comenta sobre a pirataria no encarte: "Eles tem coisas que se faz em uma cabine telefônica. Quando não tem ninguém por perto. Você num motel, sozinho, não conhece ninguém e... É como se o telefone estivesse grampeado... Aí aparece num disco pirata. Com uma foto de você que foi tirada debaixo da sua cama e com um título meio strip-tease, custando 30 contos. E depois você pergunta porque tantos artistas são paranóicos."

Dylan entrou pra valer no jogo quando lançou sua série pirata, em 1991. A princípio, uma caixa com três CDs cheios de relíquias para maníacos e faixas incríveis para o público em geral, as Bootleg Series já estão em seu sétimo volume (a trilha sonora de No Direction Home) e nem sinal das basement tapes oficializadas mesmo – na íntegra, sem retoques, sem remasterização moderna. Como o documentário de Scorsese termina no misterioso acidente de moto, já especula-se sobre um segundo filme, que nos levaria às profundezas do mítico porão.

"Dylan, mais do que muitas figuras públicas viveu numa nuvem de desinformação e mito, boa parte deliberadamente criada ou encorajada por ele para aumentar sua própria imagem", me disse Howard Sounes, outro biógrafo do músico. Marcus conclui: "Eu não tenho a menor idéia do que Dylan acha disso tudo. Contudo, não fui o único a notar que seu disco de 1970, Self Portrait (Auto-retrato), era um apanhado de faixas ao vivo, sobras, versões de segunda categoria e peças inacabadas, muito parecido com o disco que o precedeu, The Great White Wonder.

O início de tudo

2008-05-22T12:45:00.009-03:00

Era só um menino recém-chegado aos 20 anos, um violão na sacola, uma idéia fixa de encontrar seu ídolo, Woody Guthrie (na época à beira da morte, em um leito de hospital) e uma determinação incrível de seguir atrás dos seus sonhos.

Corria o ano de 1961 e após uma breve passagem pelas “cidades gêmeas” de Minneapolis e St. Paul e outra, ainda mais breve, por Chicago, aquele garoto franzino vindo de Hibbing, chegava à fria Nova York, enquanto um rigoroso inverno castigava a cidade. Havia, entretanto, um local que fervia na grande maçã. Era o frenético Greenwich Village, onde se encontravam os cantores folk, poetas beatniks, escritores e outros diversos artistas. Naquele cenário agitado, o jovem Dylan daria seus primeiros passos rumo a gloria e desses primeiros passos, talvez o maior tenha sido exatamente a gravação do seu primeiro disco, chamado simplesmente “Bob Dylan”.

Um álbum muitas vezes subestimado na discografia do trovador norte-americano, mas que já dava uma boa mostra do gênio que ali surgia. É bem verdade que apenas duas canções, das 13 que compunham o disco, eram da lavra do próprio Bob: “Song to Woody” e “Talkin' New York”, mas mesmo estas já apontavam um futuro bastante promissor para aquele rapaz de cabelos desgrenhados e roupa esfarrapada. No restante do repertório, ele visitava canções tradicionais, algumas até de autoria desconhecida, além de novas versões de velhos blues de Jesse Fuller; Bukka White e Blind Lemon Jefferson.

A gravação do disco e consequentemente o contrato de Dylan com a Columbia Records só foi possível graças à influência de John Hammond, o mais destacado executivo da indústria fonográfica dos EUA, naqueles tempos. Hammond, que já havia projetado Billie Holliday, ouvira Dylan tocar gaita numa sessão de gravação de Carolyn Hester e decidiu apostar naquele jovem músico, ao descobrir que ele também compunha seu próprio repertório.

O disco, gravado entre os dias 20 e 22 de novembro de 1961, ao custo de apenas US$ 402,00 somente seria lançado em março de 1962. Como as vendagens foram muito aquém do esperado, cerca de 5 mil exemplares no primeiro ano, Bob passou a ser chamado pejorativamente de “loucura do Hammond”. Mas o lendário executivo sabia que tinha em mãos uma aposta segura.

O álbum todo tinha um clima “on the road”, viajante, bem ao estilo daquela época, um verdadeiro passeio pelo território americano, uma viagem cheia de imagens, histórias, estradas, trens, estações...

O Dylan que ali surgia era o viajante, o explorador, o expedicionário, como ele próprio se definiria décadas mais tarde. Ainda jovem, naquele disco já estava o Dylan homem, o poeta, mas acima de tudo o trovador, o caipira, o contador de histórias. Já transparecia o embrião do compositor que viria a ser e do intérprete inconfundível que já havia se tornado. O primeiro Dylan já era único, já era gênio.

A força de sua interpretação, a maneira muito singular de abordar os temas e cuspir as palavras de forma crua, por vezes irada e em outras, irônica, o viés contestador, embora ainda não tão intenso, estava tudo ali. Naquele primeiro disco já estavam presentes todos os indícios daquele artista que durante as próximas décadas transformaria a música e a si mesmo, tantas e tantas vezes. Talvez o velho Hammond já soubesse que dali em diante as pedras iriam rolar, as chuvas cairiam e as respostas soprariam no vento...

A Balada de A. J. Weberman

2008-04-04T12:40:00.007-03:00

Não é de hoje que alguns anônimos procuram desesperadamente pelo status de celebridade ou mesmo por aqueles 15 minutinhos de fama, ao qual se referia Andy Warhol. Nas décadas de 60 e 70, no auge da carreira, Bob Dylan foi vítima da obsessão e loucura de Alan Jules Weberman, um fã lunático e desequilibrado, que inventou a "Dylanologia", um estudo das letras, músicas e pensamentos de Bob Dylan e se auto-proclamou a maior autoridade mundial sobre Bob Dylan.

Entre as esquisitices deste fã obsessivo, está a criação de outra ciência: a "garbologia", que consistia em estudar a vida da pessoa, investigando o lixo que ela produz. Weberman fazia plantão em frente à casa dos Dylan na MacDougal Street em New York, para recolher o lixo e assim desenvolver suas teses malucas sobre a obra do mestre. Weberman escrevia artigos para jornais, fanzines e revistas universitárias. Revoltado com o que ele classificava de afastamento do Dylan das canções de protesto, resolveu fundar a Dylan Liberation Front, comandando manifestações com palavras de ordem do tipo "Liberte Bob Dylan de si próprio" ou "O cérebro de Dylan pertence ao povo".

Cansado de ter sua privacidade invadida por este sujeito alucinado, Dylan, que no início levava aquilo tudo com certo bom humor, resolveu interpelá-lo. Algumas conversas telefônicas entre ídolo e fã, hilárias por sinal, foram parar nas mãos de colecionadores no mundo inteiro. Numa atitude extrema, Bob chegou a partir pra cima de A. J., agredindo o fã, que longe de se defender se disse feliz "por ser um dos poucos a ter o Dylan por cima, além de sua esposa".

Na década de 80, Weberman chegou a publicar um livro, chamado "My Life in Garbology" e recentemente, os diretores James Bluemel e Olive Ralfe lançaram o documentário "Ballad of A. J. Weberman" sobre as aventuras deste psicopata.

Pesquisando Dylan

2008-04-04T12:06:00.010-03:00

Você é daqueles que gosta de pesquisar na internet mais detalhes sobre a vida e a obra de Bob Dylan? Então essa dica é pra você. Aqui vão alguns sites espalhados pela rede, onde é possível achar uma série de informações interessantes a respeito do bardo:

Primeiro, uma espécie de "Buscador Dylanesco". Um site chamado "The Book of Bob", onde você digita uma frase ou palavra e ele vai buscar a(s) música(s) do Dylan que contenham sua pesquisa.

http://www.slopbucket.com/cgi-bin/frisk-bob.cgi

Outro site bacana é "Bob on the Side", com várias participações de Dylan em discos de outros artistas.

http://www.searchingforagem.com/Misc/Sidesman.htm

E mais um que merece destaque é "Warehouse Eyes", com "reviews" de todos os álbuns do mestre.

http://warehouseeyes.netfirms.com/

Siga os links e boa pesquisa!

O velho trovador e o contador de histórias

2008-04-04T11:53:00.005-03:00

Outro que teve a feliz oportunidade de realizar o sonho de ver o velho trovador, ao vivo e em pessoa, foi meu amigo Diego Quadros, de Porto Alegre-RS, um sujeito da melhor qualidade e exímio contador de histórias. Eis aqui seu relato emocionado, sobre o show de Bob Dylan em Buenos Aires, Argentina:

Antes do show

Há um ano atrás, mais ou menos, eu tinha dois sonhos. Um eu considerava irrealizável; o outro seria apenas uma questão de tempo. Ver Bob Dylan ao vivo e em cores, pessoalmente, frente a frente, para mim estava fora de questão – seria impossível. Não acreditava que uma eventual volta ao Brasil ocorresse antes de sua aposentadoria ou quem sabe até de sua morte. Conhecer Buenos Aires parecia um plano muito mais próximo e passível de ser concretizado – e outra: era algo que dependia somente de mim.

Porém, mesmo quando se confirmou que a Never Ending Tour passaria por terras sul-americanas, a idéia de unir os dois sonhos num só, algo digno de uma aventura extraída de uma canção dylanesca, parecia bem distante. Questões financeiras, profissionais, emocionais, psicológicas, entre outras, estavam em jogo. Me mandar pra outro país, assim, na cara e na coragem, no peitaço, sem tempo de planejar de forma segura uma viagem de tal porte... e, ainda por cima, sozinho! Imaginem, não era coisa para se decidir do dia pra noite.

Um dos fatores que pesou bastante na minha conclusão de que esta seria uma oportunidade imperdível foi ter assistido ao filme I’m Not There. Em especial, a parte sobre o gurizinho negro chamado Woody Guthrie que cruzava os EUA em vagões de trem. Talvez ter lido a biografia de Sounes sobre Dylan também tenha surtido seu efeito em mim. Boa parte do que eu admiro no passado do trovador de Minnesota é justamente o que acabou lhe tornando uma espécie de cidadão do mundo: a coragem de se tocar por aí desde muito jovem, sem saber o que encontraria no meio do caminho e não tendo uma idéia muito clara de para onde iria, mas com a firme convicção de que precisava estar lá.

Percebi que comigo ocorreria algo parecido - embora em menor escala, naturalmente. Na verdade, a viagem a Buenos Aires para assistir ao show de Bob Dylan foi, antes de mais nada, uma viagem de estréias, de acontecimentos até então inéditos: minha primeira jornada internacional, minha primeira vez andando de avião (perdi o ônibus que me traria de volta devido a uma farra com uns chilenos...), a primeira vez em que encontraria uma amiga do Orkut (a indescritível Ana Luiza) e assim por diante... mas confesso que também não me senti tão estrangeiro por lá, não...

Já na ida, durante os muitos quilômetros que o ônibus ia percorrendo por estradas brasileiras e argentinas, eu tive a oportunidade de trocar algumas palavras com uns companheiros de Porto Alegre que viajavam pelo mesmo motivo. Na verdade, só falamos sobre o show quando estávamos chegando na rodoviária de Buenos Aires... perguntei se eles iam ao show, daí contei que estava lá mas nem sequer ingresso eu tinha, ao que eles muito se admiraram.... algo como: “Putz, cara! Veio pra cá sem nem ter a garantia de que vai no show? Tu é louco?”

A saga de conseguir o ingresso, aliás, a partir do momento em que pisei em solo porteño, foi uma Odisséia tão digna de nota quanto o foi a volta pro hotel no pós-show. Vou resumir descrevendo que uma série de desencontros com a Ana Luiza – que se encarregara de comprar minha entrada um dia antes da minha chegada por lá - acabou resultando numa correria da nossa parte entre os pontos de venda (cujos ingressos já estavam esgotados) e incessantes tentativas de ligar para a Top Show a fim de saber se ainda restavam bilhetes disponíveis para a área VIP. Conclusão: 21 horas de sábado, faltando menos de meia hora para o início do concerto, e nós ainda estávamos na fila da bilheteria.

Entrando no estádio do Vélez, após uma pausa para a Ana Luiza comprar uns souvenires do evento, fomos para as cadeirinhas da área VIP. Havia uma espécie de Dylan argentino por lá (com o perdão da comparação inconveniente) fazendo o seu número, e tamanha foi a minha surpresa quando ele chamou ao palco para uma apresentação final uma figura hermana a quem admiro muito: o grande e controvertido roqueiro Charly Garcia. Eles tocaram aos violões duas canções muito bonitas e ainda Garcia teve a oportunidade de gracejar em castelhano algo que eu entendi como sendo: “Tudo por Bobby!”

Atrás de mim, a torre de som e a cerca que separava o lugar de onde eu estava da platéia geral. Frontalmente, a uns trinta ou quarenta metros, o palco (sim, não fiquei muito próximo do mesmo, embora tivesse uma visão relativamente decente dos artistas). Acima, um céu repleto de estrelas. Ao redor, as arquibancadas do estádio, que se enchiam cada vez mais de fãs e apreciadores... ficava claro que a noite seria memorável!

E foi!

Faço um interlúdio aqui para destacar um ponto (o único, na real) que considero negativo: a proibição da venda de cervejas no evento. Putz, assistir ao Bob Dylan detonando com sua banda sem poder ingerir uma gota sequer desse néctar dos deuses era sacrilégio dos mais atrevidos. Enquanto reclamava disso para a Luiza, um camarada que estava sentado ao meu lado interveio com a pergunta: “Cara, vocês são brasileiros?” Respondi que sim e devolvi questionando de onde ele era. “Sou de Porto Alegre!” E eu vibrando: “Bah, que afudê, véio! Eu também!” A minha parceira de aventuras disse que era de São Paulo e ainda resolveu acrescentar, com seu humor inglês: “Pronto, se acharam agora!” Estava tudo muito descontraído e agradável.

Passados alguns minutos, a Luiza voltou para o seu assento (ela estava algumas fileiras a frente da minha), meu conterrâneo foi comprar um refrigerante e eu resolvi acender um cigarro para refletir sobre a importância do momento. A ficha ainda não tinha caído por completo... e então as luzes se apagaram! A argentinada foi à loucura – principalmente os que estavam na platéia geral, entre campo e arquibancada, os quais se tratavam de fãs mesmo, coisa que eu não acreditava haver muito na área VIP... Um mestre de cerimônias no alto-falante começou uma introdução em inglês, algo como “Poet Laureate of Rock” e tal, até culminar no: “Ladies and gentlemen: Bob Dylan!” E aí mais um capítulo na história de todos que estavam naquele estádio, entre artistas, membros da equipe técnica, organizadores e fãs, começou a ser escrito.

Durante o show

Bob Dylan e sua banda entraram com tudo, descendo a lenha numa versão de Rainy Day Women #12 & 35 que – por alguma razão – me lembrou em muito a pegada blueseira furiosa de Elmore James. Muitos se levantaram da suas cadeirinhas e começaram a andar em direção ao palco, inclusive eu, mas o pessoal da organização estava impondo uma disciplina rígida, e logo tivemos que voltar para nossos assentos de origem. Sem problemas! As sacudidas bruscas com a cabeça e as batidas fortes com os pés no chão revelavam o grau de nossa empolgação.

Cabe dizer aqui o quanto é importante para um fã ver Dylan empunhando uma guitarra elétrica hoje em dia, por duas ou três canções que o seja... é algo que fica impresso de forma muito clara no espírito. É uma imagem fortíssima! Sintomática! É o velho Dylan em ação! É Robert Allen Zimermann, Elston Gunn, o par de Joan Baez, o palhaço de cara pintada do circo itinerante Rolling Thunder Revue, o Dylan raivoso que vociferava ao lado da The Band no excelente Before The Flood, era todas as faces de Bob Dylan em um homem só...

Estava pensando nisso quando aconteceu o segundo fato da noite para mim em termos de relevância: a execução de Lay Lady Lay. Essa, como sua antecessora, deu para reconhecer logo de cara, pois estava com arranjo igual ao da versão de estúdio. Em menos de um minuto meus olhos se encheram de lágrimas. Acho que foi aí que me dei conta de que um sonho que até bem pouco tempo eu considerava ser impossível de acontecer estava se tornando realidade: era ele que estava ali, logo mais a frente... Não cheguei ao ponto de chorar, embora muito desejasse que isso ocorresse... de qualquer forma, a visão ficou turva por um bom tempo devido a água que tomava conta dos globos oculares. Estávamos recém na segunda música do set list e eu já me encontrava profundamente comovido com toda aquela situação que beirava o surreal.

A partir daí, foi uma seqüência devastadora de músicas, entre grandes sucessos da carreira e canções dos discos mais recentes. Belos álbuns estavam sendo lembrados por lá: Blonde on Blonde, John Wesley Harding, Highway 61 Revisited, Nashville Skyline, The Freewheelin’ Bob Dylan, Love and Theft, Modern Times. Este último, aliás, eu conheci exatamente nesse show: baixei Modern Times da internet no exato dia de seu lançamento, mas até a noite de 15 de março de 2008, acreditem ou não, eu nunca o havia escutado. E gostei - pelo menos das músicas tocadas nessa ocasião - bastante.

Outra coisa digna de se mencionar é sobre a voz do bardo: tenho lido comentários que preferem salientar a degradação e a falta de qualidade técnica de suas cordas vocais – como fizeram durante toda sua carreira, na verdade. Pra mim isso é bobagem! Ao vivo, ela continua expressiva e penetrante, capaz de se infiltrar em cada poro da pele e irromper de um ouvido ao outro. É fato notório que o Dylan de sessenta e seis anos não é o mesmo que o de vinte. Mas, considerando os efeitos que a idade produz no ser-humano, o velho continua esbanjando energia sonora. E, particularmente, essa voz “degradada” sempre me soou bem. É algo que é só dele, ninguém mais tem igual, é uma peculiaridade, uma marca registrada. São coisas como essa que contribuem para fazer dele o que é hoje: um mito, uma lenda.

A mesma lenda que presenteou seu público com o que talvez tenha sido a maior surpresa da noite: Just Like A Woman. Tentar advinhar as canções que o cara toca em seus shows no primeiro minuto é tarefa árdua para alguns fãs. Eu já não tive tanta dificuldade. Com exceção das músicas dos dois últimos discos, que eu ainda não tinha ouvido, não me foi problema identificar qualquer das canções do concerto que me eram familiares. E Just Like A Woman está nesse time. Embora a banda tenha tocado a introdução de forma um tanto diferente da original, nos primeiros dez segundos eu já sabia se tratar desse baita sucesso. A Ana Luiza me contou que tinha sido pra ela, que era uma das suas favoritas e tal, e que seria um sonho se ele a tocasse. Então, mais um sonho realizado. E a cada vez que a célebre frase de violão após o refrão era reproduzida, meu conterrâneo e eu nos olhávamos e repetíamos: “Que afudê, cara! Que do caralho!”

A propósito, outra situação inusitada deu-se quando lá pelo meio do show, durante uma música que não me recordo qual foi, o público da arquibancada começou a marcar o compasso com palmas. Meu conterrâneo e eu tentamos puxar o gesto ali pela área VIP, mas não obtivemos muito sucesso: apenas mais alguns nos seguiram nesse ato. De qualquer forma, fomos acompanhando o pessoal da platéia geral por uns dois ou três minutos, conduzindo o ritmo com palmas juntinho ao som da bateria, até que elas foram se apagando gradualmente. Meu conterrâneo comentou: “É, morreu!” E eu disse algo do tipo: “Ah, área VIP é foda!” Então ele me encarou e fez uma observação que, apesar de simples, achei profundamente conveniente à situação: “Bem, foi um belo momento!”

Depois de uma hora e meia, creio eu, veio o instante certamente mais aguardado pela absoluta maioria dos espectadores. Tudo me pareceu ocorrer rápido demais. Meu conterrâneo soltou um “Bah, será que é?” rico em empolgação. Respondi que achava parecida, mas que não podia ser, ainda estávamos na metade do show. Mas a verdade, meus amigos, era que já estávamos no final da apresentação, isso sim. É impressionante como momentos que apreciamos muito atravessam o tempo numa velocidade frenética. Sim, camaradas, no fundo era ela mesma: Like A Rolling Stone! E então todos ficaram de pé. Absolutamente todos. E não havia segurança capaz de fazer com que sentássemos. Nem na ala VIP, nem no campo, nem nas arquibancadas, nem no raio que o parta... estavam todos dançando... estavam todos gritando... alguns uivavam, outros assobiavam... enfim, as dezenas de milhares de pessoas que se encontravam dentro daquele estádio estavam na mais pura sintonia com os artistas.

E em seguida a banda partiu!

É claro que muitos sabiam que eles retornariam para o bis. Meu conterrâneo observou: “É impressionante! Ele não fala um ‘ai’, vai dizer?” E eu: “Aham, ele entra mudo e sai calado, mas é isso que eu gosto nele! Não tem que ficar puxando o saco do público! Ele não precisa disso!” E então meu camarada: “Também, mais do que ele já diz nas suas músicas...” Passados alguns minutos, para o delírio geral, Bob Dylan e seu grupo voltaram, dirigiram-se aos seus instrumentos e mandaram ver novamente.

De Like A Rolling Stone em diante ninguém mais se sentou. Ninguém mais ficou parado. Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again serviu de preparativo perfeito para o que deveria (sim, isso mesmo: “deveria”) ser a última canção da noite: All Along The Watchtower. Pancadaria sonora! Dylan foi folk! Dylan foi blues! E Dylan foi rock! Ao meu redor, adolescentes, velhos e pessoas de meia-idade sacudiam seus corpos como se estivessem assistindo a um show do Iron Maiden, por exemplo. Depois de baixar o cacete nos instrumentos, entre aplausos e ovações, a banda foi para a frente do palco e se abraçou, agradecendo aos presentes. Bob mencionou algumas palavras, inclusive o esperado “Thank you, friends!” e deu a impressão de que esta seria a última coisa que ouviríamos dele. Mas algo estranho na atmosfera do estádio fez com que nós acreditássemos no contrário.

E eis que surge outra grande surpresa!

Meu conterrâneo repetia incessantemente: “Acho que rola mais uma, hein? Acho que rola mais uma!” E, apesar de saber que no Brasil Dylan tocara somente dezessete músicas, sendo duas no bis, eu também pensava igual: “Também acho, velho! Ele me parece emocionado! Acho que ele se emocionou! Acho que rola mais uma sim!” E rolou! Os integrantes da banda reassumiram suas posições e Blowin’ In The Wind despontou imponente pelos amplificadores. Porra, essa era a mesma canção que há quarenta e tantos anos atrás ajudava a projetar aquele que definiria e mudaria o rumo da música pop. Talvez uma de suas músicas mais simples. E também uma das mais belas.

E enquanto Bob Dylan costurava seu conhecido “the answer my friend is blowin’ in the wind” aconteceu o que pra mim foi o momento mais significativo da noite, superando a catarse que tive em Lay Lady Lay: um facho de luz acima da minha cabeça, um pouco à esquerda, me chamou a atenção. Era uma estrela cadente, caralho! Pensem na simbologia que esse troço representou pra mim na hora: a última música do show, que ninguém – nem mesmo os mais otimistas – seria capaz de esperar há minutos atrás, e um rastro de fogo me rasga o céu, como que anunciando que ali estava terminando um desses eventos que só ocorrem a cada trezentos ou quatrocentos anos, algo como a passagem do cometa Halley ou coisa que o valha… Pensei nitidamente: “Puta que pariu, nessa ninguém vai acreditar!” E acho muito difícil que vocês acreditem mesmo… provavelmente eu também não engoliria essa história, caso me contassem… mas que se foda! O fato é que eu testemunhei um fenômeno natural durante a música derradeira de um show de Bob Dylan a céu aberto. É uma cena que está bem viva na minha memória e que ninguém será capaz de me tirar.

Um gran finale!

Digno de um artista de tal porte... digno de alguém com uma carreira tão rica!

Depois do show

Terminado o concerto, Ana Luiza e eu nos despedimos do meu conterrâneo – não sem antes brincarmos de que poderíamos tentar roubar o Oscar de cima do amplificador – e partimos rumo ao que seria a Odisséia de volta. Perdemos pelo menos duas horas e meia em tentativas frustradas de encontrar táxi para nos levar de volta ao Centro (o estádio do Vélez fica bem no limite da capital, quase na província). Poucos veículos estavam vazios, e estes nem sequer se davam ao trabalho de parar, sabe-se lá por quê. Encontramos outros dois porto-alegrenses com o mesmo problema e resolvemos tentar enfrentar a situação juntos. Dito assim até parece comédia pastelão, mas na hora foi foda! Depois de um tempão sem conseguir um meio para voltar, a sensação de desamparo e desespero começava a tomar conta da gente. Quando um taxista resolveu parar, vibramos como torcedores num gol do Boca Juniors. Mas acontece que o filho-da-puta parou no meio do caminho com a desculpa de que o pneu estava murcho e nos deixou por lá mesmo...

Porém no final tudo deu certo. Passei boa parte do percurso apresentando a mim mesmo minhas considerações acerca do que é, atualmente, assistir a um show do Bob Dylan. Concluí que apresentava sentimentos opostos. Parte do meu pensar estava contente com o fato de que o velho tocasse num estádio que, embora não estivesse com lotação esgotada, ainda assim contava com algumas boas dezenas de milhares de pessoas, coisa mais do que merecida por ele. Por outro lado, também considerei que a banda – excelente, acrescente-se –, do jeito como está formada, é perfeita para tocar em clubes pequenos, coisa como nos filmes norte-americanos na linha de The Blues Brothers (Os Irmãos Cara-de-Pau). A referência expressa pelo figurino do conjunto, inclusive, talvez não seja mera coincidência.

O show teve uma forte influência do blues. Os instrumentistas são todos excelentes, e a cada solo de algum deles (ou mesmo do velho Bob), eu olhava para um dos três telões pendurados na torre de som atrás de mim no intuito de perceber com maiores detalhes suas expressões faciais... eu queria estar ali, ao lado deles, compartilhando das mesmas emoções, do mesmo gosto pela arte musical. Por fim, creio que Dylan acabou envelhecendo com dignidade. Alguns artistas preferem agir como jovens durante seus espetáculos, o que talvez seja o caso dos Rolling Stones... outros, e Bob Dylan me parece seguir essa linha, preferem assumir a condição imposta pela idade, no entanto olhando sempre para frente, sabendo que o fim até que pode estar próximo, mas com a certeza de que, enquanto isso não acontecer, continuarão andando a passos firmes rumo ao desconhecido...

Não Estou Lá - I´m Not There

2008-03-18T23:19:00.001-03:00

Nesta sexta-feira, 21/03, finalmente estréia no Brasil o filme “I´m Not There”, do talentoso diretor da nova geração do cinema americano, Todd Haynes. O filme, muito além de uma cinebiografia, é uma representação livre do universo de Bob Dylan e suas diversas facetas: jovem poeta, ícone do movimento folk, roqueiro rebelde, cristão convertido, caubói solitário e, sobretudo, porta-voz de toda uma geração. Um artista cujas revoluções musicais e estéticas foram um espelho das transformações no mundo ao longo de todos esses anos. Ao longo do filme, Haynes procura evitar reduzir Dylan a um tipo facilmente definível e dá uma idéia da dificuldade de classificar o mito. Para tanto, ousa fazer com que seis atores interpretem as diversas fases e aspectos diferentes da vida do artista: Christian Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Richard Gere, Heath Ledger (falecido recentemente) e Ben Wishaw são todos Bob Dylan, ou alter-egos de Bob Dylan... Para alguns críticos, tudo não passa de um delírio do diretor, mas a maioria recebeu bem o filme, nas pré-estréias e festivais espalhados pelo planeta, como um retrato poético e surreal do maior compositor popular de todos os tempos, uma visão completa e multifacetada do mito. É bem verdade que os atores ajudam muito. Eles vivem personagens com nomes diferentes, que fazem referência às diversas influências e passagens da vida do biografado, porém fica muito evidente que representam fases ou facetas de um mesmo homem. Todos em atuações acima da média, encarnam o homem, a criança, o poeta, o cantor, o rebelde... Todos num único sujeito, num artista que se reinventa e que tudo o que quis, foi tradurzir-se em suas próprias canções... Nesse aspecto, o filme atende perfeitamente ao propósito. Bob Dylan é um artista em constante transformação, mas ao mesmo tempo, um homem coerente com certos princípios básicos. I´m Not There é de uma poesia moderna, que foge à métrica tradicional, mas que encanta justamente por isso. Genial a maneira que Todd Haynes nos mostra a vida, as músicas, a obra de Bob Dylan. O próprio título do filme ajuda nesse contexto. “Não estou lá”. É como se o próprio Dylan nos dissesse: -“É assim que vocês me vêem, mas eu não estou ali, parado, imóvel. Estou em constante movimento, estou por aí, em transformação, sou múltiplos de mim mesmo...” Haynes não procura simplesmente captar as metamorfoses de Dylan. Ele vai além. Para cada faceta do músico, há um estilo diferente. É como se fossem episódios de um mesmo filme, mas incrivelmente, embora as partes sejam dissonantes entre si, a harmonia do todo resta preservada. A fotografia inclusive, é um dos pontos altos do filme. Ora em preto e branco, ora num colorido onde sobressaem vários tons de amarelo. É bem verdade que o filme irá agradar principalmente aos fãs de Bob Dylan. Para quem nunca leu nada a respeito da trajetória do músico, o filme pode parecer um pouco confuso. Mesmo assim, vale a pena assisti-lo. É um projeto ambicioso, desafiador, mas atores e diretor conseguem suplantar todos os obstáculos, buscando uma maneira criativa de não aprisionar o biografado. “I´m Not There” é um filme arrebatador, que não se encerra num nicho fechado. Um filme, assim como o artista em tela, múltiplo e singular!

No Direction Home

2008-03-18T16:46:00.000-03:00

“Ele é um neurótico!”, gritava uma jovem, na saída do Albert Hall, após a apresentação de Bob Dylan. “Nós viemos aqui para ver um artista folk, não uma banda de rock”, vociferava um rapaz, no meio de um grupo, na saída do teatro. “Eu quase enlouqueci com essa banda tocando tão alto”, revelava mais outro fã inconsolável. Os depoimentos eram um retrato sem retoque do que parecia ser o de um “judas” que havia traído as suas raízes e abandonado a música de protesto para virar uma espécie de último beatnik . O choque causado pela mudança de estilo do compositor de “Blowin' In The Wind” é o cerne de No Directon Home , documentário dirigido por Martin Scorcese sobre o período mais turbulento da carreira de Dylan — que coincidiu com momentos importantes da história dos Estados Unidos: Crise dos Mísseis, Martin Luther King, Kennedy e o Vietnã.

O filme, que começa e termina com as imagens marcantes da malfadada turnê européia do mais popular folk singer de sua geração, mostrando a perlplexidade tanto da platéia, que não entendia o porque daquele set com uma banda de rock no fim da apresentação acústica, entremeada por apupos e palavras de ordem quando a do autor de “Like a Rolling Stone”, ao ter que responder, a repórteres ligeiramente despreparados ou que não conhecessem qualquer disco seu, perguntas tão absurdas quanto as suas respostas:

Repórter: quantas pessoas do seu meio musical que também fazem canções de protesto?
Dylan: Você quer saber quantos?
Repórter: Sim, quantos?
Dylan: Bom, acho que uns centro e trinta e seis (risos abafados).
Repórter: Você acha que são cerca de cento e trinta e seis?
Dylan: Certamente uns centro e trinta e seis. Ou cento e quarenta e dois! Rá, rá.

Xodó - Corte para Dulluth, quando o documentário se volta para o começo da carreira de Bob Dylan. Ele tateava por um estilo musical e, vendo que o rock vivia uma situação adversa, encontrou terreno fértil no folk , quando descobre diversos artistas de folk, blues e gospel, como Ma Rainey, Leadbelly, Odetta, Billie Holliday, Hank Williams, John Jacob e Woody Guthrie. Resolve absorver tudo aquilo e partir para Nova Iorque onde, após uma marcante incursão pelo universo boêmio de Greenwich Village — muito bem retratado por Scorcese –, ele consegue apresentar-se em pequenos cafés, até chegar ao disco, em 1961. Após o discreto début no primeiro álbum, gravando principalmente standards de folk e blues, ele vira ícone da noite para o dia com “Blowin'In The wind” e se transforma em uma espécie de xodó das esquerdas.

Para eles, Bob era mais do que um cantor de protesto, com letras simples e simplórias, mas tinha um magnetismo pessoal, e uma capacidade impressionante de criar a trilha sonora do que era a luta dos movimentos sociais norte-americanos pelos Direitos Civis. Em menos de um ano, o cantor era figura de proa de um movimento que tinha pretensões mais políticas do que meramente musicais. Mais do que isso, Dylan demonstrava, como é evidente no documentário, uma antena da raça. “Ela absorvia tudo”, diz Tony Glover, num trecho do documentário. “Ele pagava cada elemento, cada maneirismo, cada acento que achasse importante e adicionava tudo à sua música”, revela.

Scorcese inclui sutilezas ao contextualizar Dylan à sua época. Tempos politicamente confusos, onde havia segregação racial, o trauma de um país inteiro com o assassinato de Kennedy (que é mostrado em tela tendo ao fundo “A Hard Rain's A Gonna Fall”), o medo da ameaça nuclear e a morte de civis e de militares ianques no Vietnã. Dylan foi identificado, rotulado, embalado e vendido como produto de protesto e bandeira incendiária de movimentos identificados com a esquerda, ao mesmo tempo em que era guindado aos píncaros azulados do sucesso comercial, e transformado em ídolo do Newport Folk Festival.

Escândalo - O momento mais tenso de No Direction Home desvenda o processo de mudança da postura do compositor como artista, a influência beatnik (inclusive de Allan Ginsberg, que fornece depoimentos importantes). Ao mesmo tempo em que se dedica cada vez mais à prosa, escrevendo caudalosamente numa máquina de escrever portátil, ele passa a absorver a literatura de Blake, Ginsberg e Kerouac na mesma medida em que entronizara Gutherie no começo de sua breve carreira. Agora era outro: cabelos longos, rosto cavo, óculos escuros, letras gigantescas e dantescas. O homem que era a voz de uma geração, o cantor de protesto, o xodó das esquerdas resolve reproduzir na sagrada Bayreuth de Newport o som que descobria em estúdio, ao plugar o seu canto e moldurá-lo à guitarras rascantes pianos honk tonk.

Assim, Dylan eletrifica o seu som e choca a comunidade folkie . Escândalo geral. A apresentação não dura quinze minutos. No fim do show, Bob descobre que Pete Seeger, cantor e compositor que tanto admirava, queria cortar a eletricidade com um machado. Mais tarde naquela noite, durante a festa, Maria Maudaur tenta animar Dylan: “você quer dançar?”. “adoraria dançar com você”, diz o cantor. “Mas as minhas mãos estão em fogo!”, ele devolve, entre inconsolável e enigmático.

Como a mão que afaga é a mesma que apedreja, de repente, ao eletrificar o seu som, o messias das esquerdas vira o vilão da história. Ao mesmo tempo em que precisa afirmar as suas posições e ser cobrado por abandonar o protesto (que, segundo Joan Baez explica, nunca foi a tônica na personalidade do Dylan como pessoa) , ele tenta reafirmar a sua nova música, calcada no rock, com Mike Bloomfield como seu lead guitar e Robbie Robertson e a embrionária The Band no palco. Enquanto o produtor de folk Harold Leventhal conta o seu desencanto com os acontecimentos de Newport, Baez revela que sentia que seu parceiro musical vislumbrava um público maior e menos restrito do que aquele. “sempre que eu ia à passatas, as pessoas me perguntavam: o Bob virá? Eu dizia: não, seu tolo, ele não virá, ele nunca esteve aqui, ele nunca viria”.

Expedicionário musical - O choque com a imprensa é inevitável. “Você sabe por que você é famoso?”, pergunta um jornalista. “Você acredita no que você canta?”. Dado momento, um lasca: “Você vai àquela manifestação, à noite?”. Ele pega o microfone diz: “eu estarei ocupado esta noite”. Scorcese faz uma antologia de coletivas onde Dylan é fuzilado com pistolas de esguicho, disparadas por repórteres tanto autorais como despreocupadas. “Você acha que é o último beatnik?”. “O que quer dizer aquela motocicleta em sua camiseta?”. Um graceja, entre flashes: “Os seus primeiros discos eram bem melhores!”. “De onde você é?”, pergunta o compositor. “Sou francês”, revela o jornalista. “É por isso que você prefere os primeiros”, ri o ilustre entrevistado.

O Dylan de agora dialoga consigo e relembra os eventos, dizendo: “eu era um expedicionário musical”. Essa era a chave para entendê-lo. Joan Baez, também em retrospectiva, entende que, naqueles tempos, qualquer pessoa que fosse uma figura pública precisava estar em um lado: “ou você estava do lado do governo, ou estava do lado de [Martin Luther] King. Ou estava do lado do Vietnã, ou estava contra”. Bob foi colocado de um lado que nunca esteve, e o acusado de mudar de lado. Esse é o ponto crucial da tese de Scorcese: a sua leitura é a do artista incompreendido, cuja arte deveria apontar para alguma direção, principalmente alguma direção política. A visão do diretor aponta para a direção do outsider , do artista rotulado, vaiado, rejeitado, cuja apoteose é a vaia. “Você vai voltar, Bob?”, pergunta uma fã. “quero saber quem me vaiou”, diz Dylan.. “Me dê um autógrafo”, implora um garoto. “Você não precisa do meu autógrafo”, graceja o cantor. “Se precisasse, eu lhe daria”. “O que é que ele tem hoje??”, ri o garoto, enquanto carro vai embora.

“Onde está Woody, Bob??”, desafia alguém na platéia, em Endiburgo, numa das cenas recorrentes de No Direction Home : a tumultuada turnê britânica, que abre e fecha o filme. “Judas!”, grita um. “E as músicas de protesto, Bob?”. “Estas são música de protesto, pessoal, então, por favor”, defende-se Dylan, ao microfone.

Ginsberg flagra encontro entre Dylan e os Beatles num hotel em Londres, em 1965, quando o poeta era deportado da Thecoslováquia, e parou na capital inglesa. Ele revela que não conhecia os Beatles pessoalmente, mas como tinha contato com o Dylan, ficou ao lado dele. De repente, resolveram quebrar o gelo. Allan pergunta a John Lennon: "você já leu William Blake?". John respondeu: "nunca". Ao que Cyntia, sua esposa, responde: "John, não seja mentiroso!". E todos riram. Allan não escondeu que, ao ver aquele pessoal todo que estava no auge do sucesso em todos os sentidos, no fundo, demostrava estar meio que perdido, sem saber o que fazer com tudo aquilo.

Bob não sabia o que fazer com o ônus de pagar a opção por traçar o seu caminho como compositor e tentar conduzir o seu talento a alçar outros vôos. Ele não queria ser lembrado como o “cantor de protesto”, não se importa com aqueles que o malharam. Maria Maudaur mata a charada: “Ele queria que o público viesse a ele, não o inverso”.

Por Marcelo Xavier
highway61@bol.com.br
Originalmente publicado em “Rabisco – Revista de Cultura Pop”
http://www.rabisco.com.br/72/direction_home.htm

Aproveito o belo texto do Marcelo, aí em cima, pra recomendar o DVD "No Direction Home", do Martin Scorsese, por apenas R$ 12,99 em promoção das Lojas Americanas.

Boteco Dylanesco

2008-03-18T14:28:00.000-03:00

Se você ainda não conhece, precisa conferir. Existe uma comunidade no Orkut onde há vida inteligente... É o Boteco Dylanesco, um espaço que se tornou ponto de encontro de amigos que se conheceram na comunidade do Bob Dylan e o utilizam para falar de assuntos diversos, dylanescos ou não. Lá, a regra é não ter regras. Falamos sobre cultura; cinema; música; viagem; política; enfim, um pouco de tudo e principalmente de Bob Dylan. Vale a pena dar uma conferida. O endereço é:

http://www.orkut.com/Community.aspx?cmm=39271079

Alguns vídeos

2008-03-18T10:02:00.001-03:00

Não sei se já conhecem, mas fuçando a internet em busca de matérias sobre o Dylan, encontrei estes videozinhos do YouTube, num Blog espanhol dedicado ao Bob, que gostaria de compartilhar com os amigos.

Pelas informações que obtive, poucas e imprecisas, o primeiro é de um filme para TV, sobre a Guerra Civil norte-americana, "Gods and Generals"; o segundo, uma versão do clássico "A Hard Rain´s A-Gonna Fall", gravado especialmente para a Expo Universal de Zaragoza; O terceiro, apresenta a canção "Huck's Tune", incluida no filme "Lucky You" e o último, com a canção folk "Tell Ol' Bill".

Aqui vão os links:

http://es.youtube.com/watch?v=A-op0vyUhkE

http://es.youtube.com/watch?v=hTjSFRW_icE&feature=related

http://es.youtube.com/watch?v=gcYpESn8Ako

http://es.youtube.com/watch?v=XujoLHNSbGs

Quem tiver maiores informações, que dê sua contribuição...

Eu estava lá...

2008-03-18T09:58:00.008-03:00

A última vez que Bob Dylan se apresentou no Brasil havia sido em 1998 e naquela oportunidade, compromissos profissionais me impediram de vê-lo. Muitos anos depois, já em 2005, ingressei num site de relacionamentos na internet e, apesar de no início achá-lo sem graça, algumas comunidades de discussão relacionadas ao meu artista favorito, me fizeram utilizá-lo até com certa freqüência. Em meu círculo de convivência, não são muitos os fãs e admiradores do cantor e poeta, ícone do movimento folk. Na internet, pude conhecer pessoas que curtiam as mesmas canções e, principalmente, conheciam muito a obra do grande Dylan. Foi um achado e tornou-se um constante aprendizado! Nestas comunidades, a cada ano surgiam boatos sobre o retorno do ídolo ao país, mas infelizmente isto nunca se concretizava. Já quase sem esperanças de novamente ter a oportunidade de ver o homem-lenda em terras tupiniquins, eis que surge o anúncio oficial dos shows de Bob Dylan no Rio e São Paulo. Devo ter sido, provavelmente, um dos primeiros a adquirir os ingressos pela internet e, numa tremenda ansiedade, começar os preparativos para a viagem que sabia ser inesquecível.

Um sonho acalentado durante anos estava prestes a se tornar realidade. Em março de 2008, finalmente, Mr. Bob Dylan em pessoa, ao vivo e em cores, estaria novamente em palcos brasileiros e desta vez, eu estaria lá... A companheira de viagem seria minha namorada Camila, que se não chega a ser fã do mestre, graças ao convívio comigo passou a curtir e admirar aquele que ela chama, carinhosamente, de “velhinho fanho e narigudo”. Os altíssimos preços dos ingressos, caríssimos em São Paulo e apenas um pouco mais em conta no Rio, forçaram que os demais custos da viagem fossem bastante reduzidos. As passagens para São Paulo foram compradas numa mega-promoção de companhia aérea, enquanto que as pro Rio, através de programa de milhagens. Os hotéis onde nos hospedaríamos foram escolhidos não pelo conforto ou localização, mas levando em consideração tão somente as tarifas mais baixas disponíveis. A viagem era meu próprio presentinho de aniversário, a recompensa por estar chegando aos 40 anos, que seriam completados exatamente no dia da apresentação do mito na arena do Rio de Janeiro.

O show em São Paulo foi numa quarta-feira, 05/03, numa casa de espetáculos ampla e elegante. Os problemas eram as mesinhas apertadas e quase nenhum espaço para se locomover entre elas, além de um serviço de má qualidade. Mais uma decepção viria quando anunciaram que, durante a apresentação, os telões que ficavam ao lado do palco seriam desligados. Nossos lugares eram um pouco distantes do palco e, embora tivéssemos boa visão panorâmica deste, os telões ajudariam em muito a enxergar e perceber os detalhes, as expressões dos músicos, especialmente do Bob, que à distância parecia estar se divertindo a valer. De todo modo, todos os transtornos foram devidamente esquecidos, quando apenas dois minutinhos após o horário previsto, o mestre já se encontrava no palco e os primeiros acordes de "Leopard-Skin Pill-Box Hat" já eram ouvidos no Via Funchal... Em êxtase, ainda um pouco aturdido e sem acreditar que aquilo estava mesmo acontecendo, fomos acompanhando uma a uma, por quase duas horas, as canções do mestre, que alternou entre clássicos como “Like a Rolling Stone”; “It Ain´t Me Baby” e “Highway 61 Revisited” e canções mais recentes, em especial do último disco, “Modern Times”. Sim, é verdade tudo aquilo que já sabíamos de tanto ler, ouvir falar ou mesmo escutar os antigos discos “ao vivo”: que ele modifica os arranjos das músicas, que às vezes demoramos um pouco para identificar qual canção está sendo tocada, que ele altera o andamento e por vezes até as letras das músicas... Mas nada disso compromete o espetáculo. Pelo contrário, é justamente o que faz de cada show de Bob Dylan um evento único e exclusivo e é também aquilo que o caracteriza como um artista em constante mutação, sempre à frente do seu tempo. Talvez, a maior característica das apresentações dessa legenda da música internacional, seja o fato de poder pinçar qualquer seleção de músicas das cerca de 500 canções de seu repertório e tocá-las de modo todo particular. Sexta-feira seguiríamos pro Rio de Janeiro, que aliás, continua lindo e no sábado, 8 de março, dia do meu 40º aniversário, estaríamos novamente diante do ícone, do poeta que, quando jovem, foi apontado como “a voz de sua geração”, mas que com quase 70 anos ainda se mostra em ótima forma, com muita energia e vitalidade.

Não preciso dizer que este foi meu aniversário mais marcante e ainda que o “bardo” não tenha tocado um “Happy Birthday to Me”, ao menos me presenteou com uma lindíssima interpretação de “My Back Pages”: “Ah but I was so much older then, I´m younger than that now.” A Rio Arena, construída para os Jogos Pan-Americanos do ano passado, era uma estrutura bem melhor para um show daquele porte e, embora na arquibancada, ficamos nas proximidades do palco e tínhamos ótima visão do show. Cadeiras confortáveis, amplo espaço para assistir o espetáculo sem precisar nos espremer, liberdade de circulação e um clima mais descontraído, já revelavam que o show do Rio superaria o de São Paulo. Mais uma vez, o velho Bob mesclaria velhas canções, clássicos como “Blowin´ in the Wind” que encerrou sua passagem pelo Brasil, com músicas mais recentes, dentre as quais, “Things Have Changed” que rendeu ao Dylan um Oscar, cuja estatueta reluzia no palco, bem próxima aos teclados usados pelo mestre.

Ao final de tudo, além das lembranças das apresentações do homem-lenda, que jamais se apagarão da memória, trago também recordações de alguns amigos que até então eram apenas virtuais, mas que tivemos a grata satisfação de conhecer pessoalmente. Em São Paulo, na Via Funchal, o gaúcho-gremista Sidnei, com sua indefectível camisa do tricolor dos pampas, com o nome do Bob Dylan e o nº 10 às costas. No dia seguinte ao show, num botequim da Av. Faria Lima, um encontro descontraído, regado a muita cerveja e ótimo bate-papo, com os paulistas Carmênio José; Morgana e Maristela. No Rio, em pleno show, nos encontramos com Juliano Franco, um garotão com a idade de meu filho Victor (17 anos), mas já completamente apaixonado e conhecedor da inesgotável obra do legendário Bob Dylan. Na saída do Rio Arena, um encontro casual com meu conterrâneo Guilherme, com quem apenas mantinha contato através de mensagens eletrônicas. Todos estes, inclusive alguns que faltaram e suas ausências se fizeram sentir, são personagens desta história, desta experiência única e maravilhosa do meu encontro com este artista também único e inconfundível chamado Robert Allen Zimmerman, mas que o mundo inteiro conhece por BOB DYLAN!

Escrito a bordo de um avião Varig, trajeto Rio-Recife, em 10 de março de 2008.

Abertura

2008-03-18T09:48:00.001-03:00

Olá pessoal! Esta é a primeira postagem desse Blog que criei, inteiramente dedicado ao meu artista favorito, Bob Dylan. Neste mês de março, em virtude da passagem do meu 40º aniversário, me dei de presente uma viagem a São Paulo e Rio de Janeiro, para acompanhar as apresentações do bardo no Brasil. Dois shows maravilhosos e inesquecíveis, o primeiro, no dia 05/03 na Via Funchal-SP e em seguida, 08/03 na Rio Arena, recentemente construída para os Jogos Pan-Americanos.

A emoção de ver o ídolo ao vivo e em toda sua magnitude, me despertou o desejo de criar esse Blog para compartilhar com os amigos alguns textos, notícias, fotos, links, vídeos e tudo o mais que diga respeito à vida e carreira de Bob Dylan!

Espero contar com a contribuição de todos. Obrigado!!!